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Musik

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Kunstform mit Klang und StilleFür andere Verwendungen siehe Musik (Begriffsklärung).
Musik
François Boucher, Allegorie der Musik, 1764, NGA 32680.jpg Allegorie der Musik, von François Boucher, 1764
Mittel Ton, Stille, Zeit
Typen Genres
Ursprungskulturverschiedene
Ursprungsära Altsteinzeit Ära
Darstellende Künste
  • v
  • t
  • e

Musik ist die Kunst, Klänge rechtzeitig zu arrangieren, um eine Komposition aus den Elementen Melodie, Harmonie, Rhythmus und Klangfarbe zu erzeugen. Es ist einer der universellen kulturellen Aspekte aller menschlichen Gesellschaften. Allgemeine Definitionen von Musik sind gemeinsame Elemente wie Tonhöhe (das regelt Melodie und Harmonie ), Rhythmus (und die damit verbundene Konzepte Tempo, Meter und Artikulation ), Dynamik (Lautstärke und Weichheit), und die Klangqualität von Timbre und Textur (die manchmal als "Farbe" eines musikalischen Klangs bezeichnet). Verschiedene Stile oder Musikarten können einige dieser Elemente betonen, abschwächen oder weglassen. Musik wird mit einer breiten Palette von Instrumenten und Gesangstechniken gespielt, die vom Singen bis zum Rappen reichen ; gibt es nur Instrumentalstücke, ausschließlich Vokalstücke (wie Lieder ohne Instrumentalbegleitung ) und Stücke, den Gesang und Instrumente zu kombinieren. Das Wort stammt aus dem Griechischen μουσική ( mousike ; "(Kunst) der Musen "); siehe § Etymologie und Glossar der musikalischen Terminologie.

In seiner allgemeinsten Form umfassen die Aktivitäten, die Musik als Kunstform oder kulturelle Aktivität beschreiben, die Schaffung von Musikwerken ( Lieder, Melodien, Symphonien usw.), die Kritik an Musik, das Studium der Musikgeschichte und die ästhetische Auseinandersetzung mit Musik. Antike griechische und indische Philosophen definierten Musik in zwei Teilen: Melodien als horizontal geordnete Töne und Harmonien als vertikal geordnete Töne. Gängige Sprüche wie "die Harmonie der Sphären " und "es ist Musik für meine Ohren" weisen auf die Vorstellung hin, dass Musik oft geordnet und angenehm zu hören ist. Der Komponist des 20. Jahrhunderts, John Cage, glaubte jedoch, dass jeder Klang Musik sein kann, und sagte zum Beispiel: "Es gibt keinen Lärm, nur Klang."

Das Schaffen, die Aufführung, die Bedeutung und sogar die Definition von Musik variieren je nach Kultur und sozialem Kontext. Tatsächlich im Laufe der Geschichte haben einige neue Formen oder Arten von Musik kritisiert wurden als „nicht Musik zu sein“, darunter Beethoven ‚s Große Fuge Streichquartett im Jahr 1825, am frühen Jazz in Anfang des 1900er Jahre und Hardcore - Punks in den 1980er Jahren. Es gibt viele Arten von Musik, einschließlich populärer Musik, traditioneller Musik, Kunstmusik, Musik, die für religiöse Zeremonien geschrieben wurde, und Arbeitsliedern wie Chanteys. Die Musik reicht von streng organisierten Kompositionen wie Symphonien klassischer Musik aus dem 18. und 19. Jahrhundert bis hin zu spontan gespielter Improvisationsmusik wie Jazz und avantgardistischen Stilen zufälliger zeitgenössischer Musik aus dem 20. und 21. Jahrhundert.

Musik kann in Genres (z. B. Country-Musik ) unterteilt werden, und Genres können weiter in Subgenres unterteilt werden (z. B. alternativer Country- und Country-Pop sind zwei der vielen Country-Subgenres), obwohl die Trennlinien und Beziehungen zwischen Musikgenres oft subtil sind. manchmal offen für persönliche Interpretationen und gelegentlich kontrovers. Zum Beispiel kann es schwierig sein, die Grenze zwischen Hard Rock und Heavy Metal der frühen 1980er Jahre zu ziehen. Innerhalb der Künste kann Musik als darstellende Kunst, bildende Kunst oder als auditive Kunst klassifiziert werden. Musik kann gespielt oder gesungen und live bei einem Rockkonzert oder einer Orchesteraufführung gehört werden, live als Teil eines dramatischen Werks (einer Musiktheatershow oder einer Oper) gehört werden oder sie kann auf einem Radio, einem MP3-Player oder einer CD aufgenommen und angehört werden Player, Smartphone oder als Filmmusik oder TV-Show.

In vielen Kulturen spielt Musik eine wichtige Rolle in der Lebensweise der Menschen, da sie eine Schlüsselrolle bei religiösen Ritualen, Übergangsriten (z. B. Abschlussfeier und Heirat), sozialen Aktivitäten (z. B. Tanzen ) und kulturellen Aktivitäten von Amateuren spielt Karaoke - singen in einem Amateur zu spielen Funk - Band oder in einer Gemeinschaft zu singen Chor. Menschen können Musik als Hobby machen, wie ein Teenager, der in einem Jugendorchester Cello spielt, oder als professioneller Musiker oder Sänger arbeiten. Die Musikindustrie umfasst Personen, die neue Lieder und Musikstücke kreieren (wie Songwriter und Komponisten), Personen, die Musik aufführen (einschließlich Orchester-, Jazz- und Rockbandmusiker, Sänger und Dirigenten), Personen, die Musik aufnehmen (Musikproduzenten und Toningenieure ), Personen, die Konzertreisen organisieren, und Personen, die Aufnahmen, Noten und Partituren an Kunden verkaufen. Selbst wenn ein Lied oder ein Stück aufgeführt wurde, können Musikkritiker, Musikjournalisten und Musikwissenschaftler das Stück und seine Aufführung bewerten und bewerten.

Inhalt

  • 1 Etymologie
  • 2 Kunst und Unterhaltung
    • 2.1 Zusammensetzung
    • 2.2 Notation
    • 2.3 Improvisation
    • 2.4 Theorie
  • 3 Elemente
    • 3.1 Rudimentär
    • 3.2 Wahrnehmung
    • 3.3 Beschreibungen
      • 3.3.1 Tonhöhe und Melodie
      • 3.3.2 Harmonie und Akkorde
      • 3.3.3 Rhythmus
      • 3.3.4 Textur
      • 3.3.5 Timbre oder „Tonfarbe“
      • 3.3.6 Ausdruck
      • 3.3.7 Formular
    • 3.4 Analyse von Stilen
  • 4 Geschichte
    • 4.1 Vorgeschichte
    • 4.2 Altes Ägypten
    • 4.3 Asiatische Kulturen
    • 4.4 Verweise in der Bibel
    • 4.5 Antikes Griechenland
    • 4.6 Mittelalter
    • 4.7 Renaissance
    • 4.8 Barock
    • 4.9 Klassizismus
    • 4.10 Romantik
    • 4.11 20. und 21. Jahrhundert
  • 5 Leistung
    • 5.1 Mündliche und akustische Tradition
    • 5.2 Verzierung
  • 6 Philosophie und Ästhetik
  • 7 Psychologie
    • 7.1 Neurowissenschaften
    • 7.2 Kognitive Musikwissenschaft
    • 7.3 Psychoakustik
    • 7.4 Evolutionäre Musikwissenschaft
    • 7.5 Kulturelle Effekte
  • 8 Soziologische Aspekte
    • 8.1 Rolle der Frau
  • 9 Medien und Technologie
    • 9.1 Internet
  • 10 Geschäft
    • 10.1 Gesetze zum Schutz des geistigen Eigentums
  • 11 Bildung
    • 11.1 Nicht professionell
    • 11.2 Professionell
      • 11.2.1 Undergraduate
      • 11.2.2 Absolvent
      • 11.2.3 Musikwissenschaft
      • 11.2.4 Musiktheorie
      • 11.2.5 Zoomusikologie
      • 11.2.6 Ethnomusikologie
  • 12 Therapie
  • 13 Siehe auch
  • 14 Referenzen
  • 15 Weiterführende Literatur
  • 16 Externe Links

Etymologie

In der griechischen Mythologie waren die neun Musen die Inspiration für viele kreative Bestrebungen, einschließlich der Künste.

Das Wort Musik leitet sich vom griechischen μουσική ( mousike ; „(Kunst) der Musen “) ab. In der griechischen Mythologie waren die neun Musen die Göttinnen, die Literatur, Wissenschaft und Kunst inspirierten und die die Quelle des Wissens waren, das in der Poesie, Liedtexte und Mythen in der griechischen Kultur enthalten ist. Laut Online Etymological Dictionary leitet sich der Begriff "Musik" von "Mitte des 13. Jh., musike, von Altfranzösisch musique ( 12. Jh.) und direkt von lateinischer musica "the art of music" ab, auch Poesie (auch [the ] Quelle der spanischen música, Italienisch musica, Althochdeutsch mosica, deutsche Musik, Niederländisch muziek, dänische Musik).“ Dies ist abgeleitet von der "... griechischen Maus (techne) " (Kunst) der Musen, "von Frauen von Mousikos", die sich auf die Musen beziehen, "von Mousa" Muse "(siehe Muse (n.)). Modern Rechtschreibung stammt aus den 1630er Jahren. Im klassischen Griechenland bezieht sich der Begriff "Musik" auf jede Kunst, in der die Musen den Vorsitz hatten, insbesondere aber auf Musik und Lyrik. "

Kunst und Unterhaltung

Khatia Buniatishvili spielt einen Flügel

Musik wird für viele Zwecke komponiert und aufgeführt, von ästhetischem Vergnügen, religiösen oder zeremoniellen Zwecken oder als Unterhaltungsprodukt für den Markt. Wenn die Musik nur über war Noten Partituren, wie während der Klassik und Romantik, Musikliebhaber würde die kaufen Noten ihrer Lieblingsstücke und Lieder, so dass sie sie zu Hause am Klavier durchführen konnten. Mit dem Aufkommen des Phonographen wurden Aufzeichnungen von populären Liedern anstelle von Noten die dominierende Art und Weise, wie Musikliebhaber ihre Lieblingslieder genießen würden. Mit dem Aufkommen von Heim -Tonbandgeräten in den 1980er Jahren und digitaler Musik in den 1990er Jahren konnten Musikliebhaber Bänder oder Wiedergabelisten ihrer Lieblingslieder erstellen und sie auf einem tragbaren Kassetten- oder MP3-Player mitnehmen. Einige Musikliebhaber erstellen Mix-Tapes ihrer Lieblingslieder, die als "Selbstporträt, Geste der Freundschaft, Rezept für eine ideale Party... [und] eine Umgebung, die nur aus dem besteht, was am meisten geliebt wird" dienen.

Amateurmusiker können Musik zu ihrem eigenen Vergnügen komponieren oder aufführen und ihr Einkommen anderswo beziehen. Berufsmusiker werden von einer Reihe von Institutionen und Organisationen angestellt, darunter Streitkräfte (in Blaskapellen, Blasorchestern und populären Musikgruppen), Kirchen und Synagogen, Sinfonieorchester, Rundfunk- oder Filmproduktionsfirmen und Musikschulen. Professionelle Musiker arbeiten manchmal als Freiberufler oder Session-Musiker und suchen Verträge und Engagements in einer Vielzahl von Umgebungen. Es gibt oft viele Verbindungen zwischen Amateur- und Profimusikern. Anfänger Amateurmusiker nehmen Unterricht bei professionellen Musikern. In Community-Umgebungen treten fortgeschrittene Amateurmusiker mit professionellen Musikern in verschiedenen Ensembles wie Community- Blasorchester und Community-Orchestern auf.

Oft wird zwischen Musik für ein Live-Publikum und Musik, die in einem Studio aufgeführt wird, unterschieden, damit sie über das Musikhandelssystem oder das Rundfunksystem aufgenommen und verbreitet werden kann. Es gibt jedoch auch viele Fälle, in denen eine Live-Performance vor Publikum aufgezeichnet und verbreitet wird. Live-Konzertaufnahmen sind sowohl in der klassischen Musik als auch in populären Musikformen wie Rock beliebt, wo illegal aufgenommene Live-Konzerte von Musikliebhabern geschätzt werden. In der Jam-Band- Szene werden improvisierte Live- Jam-Sessions Studioaufnahmen vorgezogen.

Komposition

Hauptartikel: Musikalische Komposition Menschen, die 2013 Musik mit elektronischen Keyboards und Computern komponieren. Der französische Komponist der Barockmusik Michel Richard Delalande (1657–1726), Stift in der Hand.

"Komposition" ist der Akt oder die Praxis, ein Lied, ein Instrumentalmusikstück, ein Werk mit Gesang und Instrumenten oder eine andere Art von Musik zu schaffen. In vielen Kulturen, einschließlich der westlichen klassischen Musik, umfasst der Akt des Komponierens auch die Erstellung einer Musiknotation, beispielsweise einer Notenpartitur, die dann vom Komponisten oder von anderen Sängern oder Musikern aufgeführt wird. In der populären Musik und der traditionellen Musik kann der Akt des Komponierens, der typischerweise als Songwriting bezeichnet wird, die Erstellung einer grundlegenden Gliederung des Liedes beinhalten, die als Leadsheet bezeichnet wird und die Melodie, den Text und die Akkordfolge festlegt. In der klassischen Musik orchestriert der Komponist normalerweise seine eigenen Kompositionen, aber im Musiktheater und in der Popmusik können Songwriter einen Arrangeur beauftragen, die Orchestrierung durchzuführen. In einigen Fällen verwendet eine Songschreiberin möglicherweise überhaupt keine Notation und komponiert stattdessen das Lied in ihrem Kopf und spielt es dann aus dem Speicher ab oder nimmt es auf. Im Jazz und in der Popmusik erhalten bemerkenswerte Aufnahmen einflussreicher Künstler das Gewicht, das geschriebene Partituren in der klassischen Musik spielen.

Selbst wenn Musik wie in der klassischen Musik relativ genau notiert wird, muss ein Interpret viele Entscheidungen treffen, da die Notation nicht alle Elemente der Musik genau spezifiziert. Der Prozess der Entscheidung, wie Musik komponiert werden soll, die zuvor komponiert und notiert wurde, wird als "Interpretation" bezeichnet. Die Interpretationen des gleichen Musikwerks durch verschiedene Interpreten können in Bezug auf das gewählte Tempo und den Spiel- oder Gesangsstil oder die Phrasierung der Melodien sehr unterschiedlich sein. Komponisten und Songwriter, die ihre eigene Musik präsentieren, interpretieren ihre Songs genauso wie diejenigen, die die Musik anderer spielen. Die Standardauswahl und -techniken, die zu einem bestimmten Zeitpunkt und an einem bestimmten Ort vorhanden sind, werden als Aufführungspraxis bezeichnet, während Interpretation im Allgemeinen die individuellen Auswahlmöglichkeiten eines Interpreten bezeichnet.

Obwohl eine Musikkomposition oft Musiknotation verwendet und einen einzigen Autor hat, ist dies nicht immer der Fall. Ein Musikwerk kann mehrere Komponisten haben, was häufig in der Popmusik vorkommt, wenn eine Band zusammenarbeitet, um ein Lied zu schreiben, oder im Musiktheater, wenn eine Person die Melodien schreibt, eine zweite Person die Texte schreibt und eine dritte Person die Lieder orchestriert. In einigen Musikstilen, wie dem Blues, kann ein Komponist / Songwriter neue Songs oder Stücke erstellen, aufführen und aufnehmen, ohne sie jemals in Musiknotation aufzuschreiben. Ein Musikstück kann auch mit Worten, Bildern oder Computerprogrammen komponiert werden, die erklären oder notieren, wie der Sänger oder Musiker musikalische Klänge erzeugen soll. Beispiele reichen von avantgardistischer Musik mit grafischer Notation über Textkompositionen wie Aus den sieben Tagen bis hin zu Computerprogrammen, die Sounds für Musikstücke auswählen. Musik, die Zufälligkeit und Zufall stark nutzt, wird als aleatorische Musik bezeichnet und mit zeitgenössischen Komponisten des 20. Jahrhunderts wie John Cage, Morton Feldman und Witold Lutosławski in Verbindung gebracht. Ein bekannteres Beispiel für zufallsbasierte Musik ist das Geräusch von Windspielen, die im Wind klingeln.

Das Kompositionsstudium wurde traditionell von der Untersuchung von Methoden und Praktiken westlicher klassischer Musik dominiert, aber die Definition von Komposition ist weit genug, um das Schaffen von populärer Musik und traditionellen Musikliedern und Instrumentalstücken sowie spontan improvisierten Werken wie denen von Free Jazz Performer und afrikanische Percussionisten wie Ewe Drummers.

Notation

Hauptartikel: Notenschrift Noten sind eine schriftliche Darstellung von Musik. Homorhythmische (dh hymnische ) Bearbeitung des traditionellen „ Adeste Fideles “ im Standard-Zwei- Noten -Format für gemischte Stimmen.

In den 2000er Jahren bedeutet Musiknotation typischerweise den schriftlichen Ausdruck von Musiknoten und Rhythmen auf Papier unter Verwendung von Symbolen. Wenn Musik aufgeschrieben wird, werden die Tonhöhen und der Rhythmus der Musik, wie z. B. die Noten einer Melodie, notiert. Die Musiknotation enthält häufig auch Anweisungen zum Aufführen der Musik. Beispielsweise kann das Notenblatt für einen Song angeben, dass es sich bei dem Song um einen "langsamen Blues" oder einen "schnellen Swing" handelt, der das Tempo und das Genre angibt. Um Musiknotation lesen zu können, muss eine Person ein Verständnis für Musiktheorie, Harmonie und die Aufführungspraxis haben, die mit dem Genre eines bestimmten Songs oder Stücks verbunden sind.

Die schriftliche Notation variiert je nach Stil und Musikperiode. In den 2000er Jahren wird notierte Musik als Noten oder für Personen mit Computer- Scorewriter- Programmen als Bild auf einem Computerbildschirm produziert. In der Antike wurde die Musiknotation auf Stein- oder Tontafeln aufgebracht. Um Musik aus der Notation aufzuführen, benötigt ein Sänger oder Instrumentalist ein Verständnis der rhythmischen und Tonhöhenelemente, die in den Symbolen enthalten sind, und der Aufführungspraxis, die mit einem Musikstück oder einem Genre verbunden ist. In Genres, die musikalische Improvisation erfordern, spielt der Performer oft aus Musik, in der nur die Akkordwechsel und die Form des Songs geschrieben werden, was erfordert, dass der Performer ein gutes Verständnis für die Struktur, Harmonie und die Stile eines bestimmten Genres (z. B. Jazz) der Musik hat oder Country-Musik ).

In der westlichen Kunstmusik sind die häufigsten Arten der schriftlichen Notation Partituren, die alle Musikteile eines Ensemble-Stücks enthalten, und Teile, die die Musiknotation für die einzelnen Interpreten oder Sänger sind. In der Popmusik, im Jazz und im Blues ist die Standardnotation das Hauptblatt, das die Melodie, die Akkorde, die Texte (wenn es sich um ein Vokalstück handelt) und die Struktur der Musik notiert. Gefälschte Bücher werden auch im Jazz verwendet; sie können aus Leadsheets oder einfach Akkordtabellen bestehen, die es Mitgliedern der Rhythmusgruppe ermöglichen, einen Begleitpart zu Jazzliedern zu improvisieren. Partituren und Stimmen werden auch in der populären Musik und im Jazz verwendet, insbesondere in großen Ensembles wie Jazz-„ Bigbands “. In der Popmusik lesen Gitarristen und E-Bassisten häufig in Tabulatur notierte Musik (oft als "Tab" abgekürzt), die die Position der auf dem Instrument zu spielenden Noten anhand eines Diagramms des Gitarren- oder Bassgriffbretts angibt. Die Tabulatur wurde auch im Barock verwendet, um Musik für die Laute zu notieren, ein Saiteninstrument mit Bünden.

Improvisation

Improvisation spielt im Jazz eine zentrale Rolle; Musiker lernen Progressionen mit Tonleiter- und Akkordtönen (Bild ist Johnny Hodges )Hauptartikel: Musikalische Improvisation

Musikalische Improvisation ist die Schaffung spontaner Musik, oft innerhalb (oder basierend auf) einem bereits existierenden harmonischen Rahmen oder einer Akkordfolge. Improvisatoren verwenden die Noten des Akkords, verschiedene Tonleitern, die jedem Akkord zugeordnet sind, und chromatische Ornamente und Übergangstöne, die weder Akkordtöne noch von den typischen Tonleitern eines Akkords sein können. Musikalische Improvisation kann mit oder ohne Vorbereitung erfolgen. Improvisation ist ein wichtiger Bestandteil einiger Musikrichtungen wie Blues, Jazz und Jazz Fusion, bei denen Instrumentalmusiker Soli, Melodielinien und Begleitparts improvisieren.

In der westlichen Kunstmusiktradition war Improvisation im Barock und in der Klassik eine wichtige Fähigkeit. Im Barock improvisierten Interpreten Ornamente und Basso Continuo- Keyboarder Akkordstimmen auf der Basis von figurierter Bassnotation. Außerdem sollten die Top-Solisten Stücke wie Präludien improvisieren können. In der Klassik improvisierten Solisten und Sänger während der Konzerte virtuose Kadenzen.

Im 20. und frühen 21. Jahrhundert, als die "gängige Praxis" der westlichen Kunstmusik in Symphonieorchestern, Opernhäusern und Balletten institutionalisiert wurde, spielte die Improvisation eine geringere Rolle, da immer mehr Musik in Partituren und Stimmen für Musiker notiert wurde spielen. Gleichzeitig haben einige Kunstmusikkomponisten des 20. und 21. Jahrhunderts zunehmend Improvisation in ihre kreative Arbeit aufgenommen. In der klassischen indischen Musik ist Improvisation ein zentraler Bestandteil und ein wesentliches Kriterium für Aufführungen.

Theorie

Hauptartikel: Musiktheorie

Die Musiktheorie umfasst das Wesen und die Mechanik der Musik. Oft geht es darum, Muster zu identifizieren, die die Techniken der Komponisten bestimmen, und die Sprache und Notation von Musik zu untersuchen. Im weitesten Sinne destilliert und analysiert die Musiktheorie die Parameter oder Elemente der Musik – Rhythmus, Harmonie ( harmonische Funktion ), Melodie, Struktur, Form und Textur. Im Allgemeinen kann die Musiktheorie jede Aussage, jeden Glauben oder jede Vorstellung von oder über Musik beinhalten. Menschen, die diese Eigenschaften studieren, sind als Musiktheoretiker bekannt und arbeiten normalerweise als Professoren an Colleges, Universitäten und Musikkonservatorien. Einige haben Akustik, menschliche Physiologie und Psychologie angewendet, um zu erklären, wie und warum Musik wahrgenommen wird. Musiktheoretiker veröffentlichen ihre Forschungsergebnisse in musiktheoretischen Zeitschriften und Universitätspressebüchern.

Elemente

Hauptartikel: Elemente der Musik

Musik hat viele verschiedene Grundlagen oder Elemente. Abhängig von der Definition des verwendeten "Elements" können dies sein: Tonhöhe, Schlag oder Puls, Tempo, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Textur, Stil, Zuordnung von Stimmen, Klangfarbe oder Farbe, Dynamik, Ausdruck, Artikulation, Form und Struktur. Die Elemente der Musik spielen in den Musiklehrplänen Australiens, Großbritanniens und der USA eine herausragende Rolle. Alle drei Lehrpläne identifizieren Tonhöhe, Dynamik, Klangfarbe und Textur als Elemente, aber die anderen identifizierten Elemente der Musik sind weit davon entfernt, allgemein anerkannt zu sein. Nachfolgend finden Sie eine Liste der drei offiziellen Versionen der "Elemente der Musik":

  • Australien: Tonhöhe, Klangfarbe, Textur, Dynamik und Ausdruck, Rhythmus, Form und Struktur.
  • UK: Tonhöhe, Klangfarbe, Textur, Dynamik, Dauer, Tempo, Struktur.
  • USA: Tonhöhe, Klangfarbe, Textur, Dynamik, Rhythmus, Form, Harmonie, Stil / Artikulation.

In Bezug auf den Lehrplan in Großbritannien, im Jahr 2013 der Begriff „geeignete musikalische Notationen “, um die Liste der Elemente und der Titel der Liste wurde von den „Elementen der Musik“ zu den „inter bezogenen Dimensionen der Musik“ geändert hinzugefügt wurde. Die miteinander verbundenen Dimensionen von Musik sind aufgeführt als: Tonhöhe, Dauer, Dynamik, Tempo, Klangfarbe, Textur, Struktur und geeignete Noten.

Der Ausdruck "die Elemente der Musik" wird in verschiedenen Kontexten verwendet. Die beiden häufigsten Kontexte lassen sich unterscheiden, indem man sie als „rudimentäre Elemente der Musik“ und „wahrnehmungsbezogene Elemente der Musik“ bezeichnet.

Rudimentär

In den 1800er Jahren wurden die Phrasen "die Elemente der Musik" und "die Grundlagen der Musik" synonym verwendet. Die in diesen Dokumenten beschriebenen Elemente beziehen sich auf Aspekte der Musik, die notwendig sind, um Musiker zu werden. Neuere Autoren wie Espie Estrella scheinen den Begriff "Elemente der Musik" in ähnlicher Weise zu verwenden. Eine Definition, die diesen Gebrauch am genauesten widerspiegelt, ist: "die rudimentären Prinzipien einer Kunst, Wissenschaft usw.: die Elemente der Grammatik". Die Umstellung des britischen Lehrplans auf die "miteinander verbundenen Dimensionen der Musik" scheint eine Rückkehr zur Verwendung der rudimentären Elemente der Musik zu sein.

Wahrnehmungs

Seit dem Aufkommen des Studiums der Psychoakustik in den 1930er Jahren beziehen sich die meisten Listen von Musikelementen mehr darauf, wie wir Musik hören, als darauf, wie wir lernen, sie zu spielen oder zu studieren. CE Seashore identifizierte in seinem Buch Psychology of Music vier "psychologische Attribute des Klangs". Dies waren: "Tonhöhe, Lautstärke, Zeit und Klangfarbe" (S. 3). Er nannte sie nicht die "Elemente der Musik", sondern bezeichnete sie als "elementare Komponenten" (S. 2). Trotzdem verbinden sich diese elementaren Komponenten genau mit vier der häufigsten musikalischen Elemente: "Tonhöhe" und "Klangfarbe" stimmen genau überein, "Lautstärke" verbindet sich mit Dynamik und "Zeit" verbindet sich mit den zeitbasierten Elementen Rhythmus, Dauer und Tempo. Diese Verwendung des Ausdrucks "die Elemente der Musik" ist enger mit der Definition eines Elements in Websters New 20th Century Dictionary verknüpft als: "eine Substanz, die nicht mit bekannten Methoden in eine einfachere Form unterteilt werden kann" und die Listen der Elemente von Bildungseinrichtungen stimmen im Allgemeinen überein auch mit dieser Definition.

Obwohl Verfasser von Listen mit "rudimentären Elementen der Musik" ihre Listen abhängig von ihren persönlichen (oder institutionellen) Prioritäten variieren können, sollten die Wahrnehmungselemente der Musik aus einer etablierten (oder nachgewiesenen) Liste diskreter Elemente bestehen, die unabhängig manipuliert werden können, um dies zu erreichen eine beabsichtigte musikalische Wirkung. Es scheint zu diesem Zeitpunkt, dass in diesem Bereich noch Forschungsarbeiten durchgeführt werden müssen.

Eine etwas andere Herangehensweise an die Identifizierung der Elemente von Musik besteht darin, die "Elemente des Klangs " zu identifizieren als: Tonhöhe, Dauer, Lautstärke, Klangfarbe, Klangtextur und räumliche Lage, und dann die "Elemente der Musik" zu definieren als: Klang, Struktur und künstlerische Absicht.

Beschreibungen

Tonhöhe und Melodie

Die Tonhöhe ist ein Aspekt eines Klangs, den wir hören können, der widerspiegelt, ob ein Musikklang, eine Note oder ein Ton „höher“ oder „tiefer“ ist als ein anderer Musikklang, eine andere Note oder ein anderer Ton. Wir können über die Höhe oder Tiefe der Tonhöhe im allgemeineren Sinne sprechen, wie zum Beispiel die Art und Weise, wie ein Zuhörer einen durchdringend hohen Piccolo- Ton oder einen Pfeifton hört, der höher ist als ein tiefer Schlag einer Basstrommel. Wir sprechen auch von Tonhöhe im genauen Sinne, der mit musikalischen Melodien, Basslinien und Akkorden verbunden ist. Die genaue Tonhöhe kann nur bei Klängen bestimmt werden, deren Frequenz klar und stabil genug ist, um von Rauschen zu unterscheiden. Zum Beispiel ist es für Hörer viel einfacher, die Tonhöhe einer einzelnen Note zu erkennen, die auf einem Klavier gespielt wird, als zu versuchen, die Tonhöhe eines angeschlagenen Crash-Beckens zu erkennen.

Die Melodie zum traditionellen Lied " Pop Goes the Weasel "

Eine Melodie (auch "Melodie" genannt) ist eine Reihe von Tonhöhen (Noten), die nacheinander (nacheinander) erklingen, oft in einem steigenden und fallenden Muster. Die Noten einer Melodie werden normalerweise mit Tonhöhensystemen wie Skalen oder Modi erstellt. Melodien enthalten auch oft Noten aus den im Lied verwendeten Akkorden. Die Melodien in einfachen Volksliedern und traditionellen Liedern können nur die Noten einer einzelnen Tonleiter verwenden, der Tonleiter, die mit der Tonikanote oder Tonart eines gegebenen Liedes verbunden ist. Zum Beispiel kann ein Volkslied in der Tonart C (auch als C-Dur bezeichnet) eine Melodie haben, die nur die Töne der C-Dur-Tonleiter verwendet (die einzelnen Töne C, D, E, F, G, A, B und C; dies sind die " weißen Noten " auf einer Klaviertastatur. Andererseits können Bebop -era-Jazz aus den 1940er Jahren und zeitgenössische Musik aus dem 20. und 21. Jahrhundert Melodien mit vielen chromatischen Noten (dh Noten zusätzlich zu) verwenden die Noten der Dur-Tonleiter; auf einem Klavier würde eine chromatische Tonleiter alle Noten auf der Tastatur enthalten, einschließlich der "weißen Noten" und "schwarzen Noten" und ungewöhnlicher Tonleitern, wie der gesamten Tonskala (eine ganze Tonskala in der Schlüssel von C die Noten C, D, E, F enthalten würde ♯, G ♯ und A ♯). ein niedrige, tiefen musikalische Linie dargestellt von Baßinstrumente wie Kontrabaß, E - Bass oder Tuba ist eine sogenannte Basslinie.

Harmonie und Akkorde

Wenn Musiker drei oder mehr verschiedene Noten gleichzeitig spielen, entsteht ein Akkord. In der westlichen Musik, einschließlich klassischer Musik, Popmusik, Rockmusik und vielen verwandten Stilen, sind die häufigsten Akkorde Triaden - drei Noten, die normalerweise gleichzeitig gespielt werden. Die am häufigsten verwendeten Akkorde sind der Dur- und der Moll-Akkord. Ein Beispiel für einen Dur-Akkord sind die drei Tonhöhen C, E und G. Ein Beispiel für einen Moll-Akkord sind die drei Tonhöhen A, C und E. (Abgebildet ist ein Gitarrist, der einen Akkord auf einer Gitarre spielt).

Harmonie bezieht sich auf die "vertikalen" Klänge von Tonhöhen in der Musik, dh Tonhöhen, die gleichzeitig gespielt oder gesungen werden, um einen Akkord zu erzeugen. Normalerweise bedeutet dies, dass die Noten gleichzeitig gespielt werden, obwohl Harmonie auch durch eine Melodie impliziert werden kann, die eine harmonische Struktur umreißt (dh indem Melodienoten verwendet werden, die nacheinander gespielt werden und die Noten eines Akkords umreißen). In Musik, die mit dem System der Dur-Moll- Tonalität ("Keys") geschrieben wurde, das die meisten klassischen Musikstücke von 1600 bis 1900 sowie die meisten westlichen Pop-, Rock- und traditionellen Musikstücke umfasst, bestimmt die Tonart eines Stücks die verwendete Tonleiter, um die es sich dreht die "Home Note" oder Tonika der Taste. Einfache klassische Stücke und viele Lieder aus Pop und traditioneller Musik sind so geschrieben, dass die gesamte Musik in einer einzigen Tonart ist. Komplexere klassische und populäre und traditionelle Musiklieder und -stücke können zwei Tasten haben (und in einigen Fällen drei oder mehr Tasten). Klassische Musik aus der Romantik (geschrieben zwischen 1820 und 1900) enthält häufig mehrere Tonarten, ebenso wie Jazz, insbesondere Bebop- Jazz aus den 1940er Jahren, bei dem sich die Tonart oder "Heimnote" eines Songs alle vier Takte oder sogar alle ändern kann zwei Balken.

Rhythmus

Rhythmus ist die Anordnung von Geräuschen und Stille in der Zeit. Das Messgerät animiert die Zeit in regelmäßigen Pulsgruppierungen, die als Takte oder Takte bezeichnet werden. In der westlichen klassischen, populären und traditionellen Musik werden Noten häufig in Sätzen von zwei (z. B. 2/4 Zeit), drei (z. B. 3/4 Zeit, auch bekannt als) bezeichnet Walzerzeit oder 3/8 Zeit) oder vier (z. B. 4/4 Zeit). Meter sind leichter zu hören, da Songs und Stücke oft (aber nicht immer) den ersten Takt jeder Gruppierung betonen. Es gibt bemerkenswerte Ausnahmen, wie der Backbeat, der in viel westlichem Pop und Rock verwendet wird, bei dem ein Song, der einen Takt verwendet, der aus vier Schlägen besteht (als 4/4-Takt oder gemeinsamer Takt bezeichnet ), Akzente auf den Schlägen zwei und vier setzt, die typischerweise vom Schlagzeuger auf der Snare Drum gespielt, einem lauten und unverwechselbar klingenden Percussion-Instrument. In Pop und Rock werden die Rhythmusparts eines Songs von der Rhythmussektion gespielt, die Akkordspielinstrumente (z. B. E-Gitarre, Akustikgitarre, Klavier oder andere Tasteninstrumente), ein Bassinstrument (normalerweise E-Bass oder für Einige Stile wie Jazz und Bluegrass, Kontrabass) und ein Schlagzeugspieler.

Textur

Musikalische Textur ist der Gesamtklang eines Musikstücks oder eines Liedes. Die Textur eines Stücks oder Liedes wird dadurch bestimmt, wie die melodischen, rhythmischen und harmonischen Materialien in einer Komposition kombiniert werden, wodurch die Gesamtnatur des Klangs in einem Stück bestimmt wird. Die Textur wird häufig in Bezug auf die Dichte oder Dicke und den Bereich oder die Breite zwischen der niedrigsten und der höchsten Tonhöhe in relativen Begriffen beschrieben und insbesondere anhand der Anzahl der Stimmen oder Teile und der Beziehung zwischen diesen Stimmen unterschieden (siehe gängige Typen unten). Zum Beispiel enthält eine dicke Textur viele "Schichten" von Instrumenten. Eine dieser Schichten könnte ein Saitenabschnitt oder ein anderes Messing sein. Die Dicke wird auch von der Menge und dem Reichtum der Instrumente beeinflusst. Die Textur wird üblicherweise anhand der Anzahl und der Beziehung zwischen Teilen oder Zeilen der Musik beschrieben:

  • monophony : eine einzige Melodie (oder „Melodie“) weder mit Instrumentalbegleitung noch eine Harmonie Teil. Eine Mutter, die ihrem Baby ein Wiegenlied vorsingt, wäre ein Beispiel.
  • Heterophonie : Zwei oder mehr Instrumente oder Sänger, die dieselbe Melodie spielen / singen, wobei jeder Interpret den Rhythmus oder die Geschwindigkeit der Melodie geringfügig variiert oder der Melodie unterschiedliche Ornamente hinzufügt. Zwei Bluegrass- Geiger, die zusammen dieselbe traditionelle Geigenmelodie spielen, variieren normalerweise jeweils die Melodie ein wenig und fügen jeweils unterschiedliche Ornamente hinzu.
  • Polyphonie : mehrere unabhängige Melodielinien, die miteinander verwoben sind und gleichzeitig gesungen oder gespielt werden. Chormusik, die in der Musikzeit der Renaissance geschrieben wurde, wurde typischerweise in diesem Stil geschrieben. Eine Runde, bei der es sich um ein Lied wie " Row, Row, Row Your Boat " handelt, bei dem verschiedene Gruppen von Sängern zu unterschiedlichen Zeiten zu singen beginnen, ist ein einfaches Beispiel für Polyphonie.
  • Homophonie : eine klare Melodie unterstützt von Akkord- Begleitung. Die meisten westlichen populären Musiklieder ab dem 19. Jahrhundert sind in dieser Textur geschrieben.

Musik, die eine große Anzahl unabhängiger Stimmen enthält (z. B. ein Doppelkonzert begleitet von 100 Orchesterinstrumenten mit vielen verwobenen Melodielinien) wird im Allgemeinen als "dicker" oder "dichter" bezeichnet als ein Werk mit wenigen Stimmen (z Solo - Flöte Melodie von einem einzigen Cello begleitet).

Klangfarbe oder "Klangfarbe"

Timbre, manchmal auch "Farbe" oder "Klangfarbe" genannt, ist die Qualität oder der Klang einer Stimme oder eines Instruments. Das Timbre unterscheidet einen bestimmten musikalischen Klang von einem anderen, selbst wenn sie die gleiche Tonhöhe und Lautstärke haben. Zum Beispiel klingt eine 440 Hz A-Note anders, wenn sie auf Oboe, Klavier, Violine oder E-Gitarre gespielt wird. Selbst wenn verschiedene Spieler desselben Instruments dieselbe Note spielen, können ihre Noten aufgrund unterschiedlicher Instrumentaltechniken (z. B. unterschiedliche Prägungen ), unterschiedlicher Zubehörteile (z. B. Mundstücke für Blechbläser, Stimmzungen für Oboen- und Fagottisten ) unterschiedlich klingen. oder Saiten aus verschiedenen Materialien für Saitenspieler (z. B. Darmsaiten gegenüber Stahlsaiten ). Sogar zwei Instrumentalisten, die dieselbe Note auf demselben Instrument spielen (eine nach der anderen), können aufgrund unterschiedlicher Spielweisen des Instruments unterschiedlich klingen (z. B. können zwei Streicher den Bogen unterschiedlich halten).

Die physikalischen Eigenschaften des Klangs, die die Wahrnehmung des Timbres bestimmen, umfassen das Spektrum, die Hüllkurve und die Obertöne einer Note oder eines musikalischen Klangs. Bei im 20. Jahrhundert entwickelten elektrischen Instrumenten wie E-Gitarre, E-Bass und E-Piano kann der Performer den Ton auch ändern, indem er Equalizer-Regler und Klangregler am Instrument einstellt und elektronische Effektgeräte wie Verzerrungspedale verwendet. Der Ton der elektrischen Hammond-Orgel wird durch Einstellen der Deichsel gesteuert.

Ausdruck

Sänger verleihen den Melodien, die sie singen, Ausdruck mit vielen Methoden, einschließlich der Änderung des Tons ihres Gesangs, dem Hinzufügen von Vibrato zu bestimmten Noten und dem Hervorheben wichtiger Wörter in den Texten.

Ausdrucksstarke Eigenschaften sind jene Elemente in der Musik, die eine Veränderung der Musik bewirken, ohne die Haupttonhöhen oder den Rhythmus der Melodie und ihrer Begleitung wesentlich zu verändern. Interpreten, einschließlich Sänger und Instrumentalisten, können einem Lied oder Stück musikalischen Ausdruck verleihen, indem sie Phrasierungen hinzufügen, indem sie Effekte wie Vibrato (mit Stimme und einigen Instrumenten wie Gitarre, Violine, Blechblasinstrumente und Holzbläser), Dynamik (die Lautstärke oder Weichheit des Stücks oder eines Abschnitts davon), Temposchwankungen (z. B. Ritardando oder Accelerando, die das Tempo verlangsamen bzw. beschleunigen), durch Hinzufügen von Pausen oder Fermaten zu einer Trittfrequenz und durch Ändern der Artikulation der Noten ( z. B. Noten deutlicher oder akzentuierter machen, indem Noten legatoer gemacht werden, was bedeutet, dass sie reibungslos verbunden sind, oder indem Noten kürzer gemacht werden).

Ausdruck wird durch die Manipulation von Tonhöhe (wie Flexion, Vibrato, Slides usw.), Lautstärke (Dynamik, Akzent, Tremolo usw.), Dauer (Temposchwankungen, rhythmische Änderungen, wechselnde Notendauer wie bei Legato und Staccato usw.) erreicht.), Klangfarbe (z. B. Ändern der Stimmfarbe von einer leichten zu einer resonanten Stimme) und manchmal sogar Textur (z. B. Verdoppeln der Bassnote für einen reichhaltigeren Effekt in einem Klavierstück). Ausdruck kann daher als Manipulation aller Elemente angesehen werden, um "einen Hinweis auf Stimmung, Geist, Charakter usw." zu vermitteln. und kann als solches nicht als einzigartiges Wahrnehmungselement der Musik aufgenommen werden, obwohl es als wichtiges rudimentäres Element der Musik angesehen werden kann.

Bilden

Siehe auch: Strophische Form, Binäre Form, Ternäre Form, Rondo-Form, Variation (Musik) und Musikalische Entwicklung Noten Notation für den Chor (Refrain) des Weihnachtslied „ Jingle Bells “

In der Musik beschreibt die Form die Gesamtstruktur oder den Plan eines Liedes oder Musikstücks und das Layout einer Komposition in Abschnitte unterteilt. Im frühen 20. Jahrhundert waren Tin Pan Alley- Songs und Broadway-Musicals oft in AABA 32-Takt-Form, in der die A-Abschnitte dieselbe achttaktige Melodie (mit Variation) wiederholten und der B-Abschnitt eine kontrastierende Melodie oder Harmonie für acht Takte lieferte. Ab den 1960er Jahren sind westliche Pop- und Rocksongs oft in Vers-Chorus-Form, die auf einer Folge von Vers- und Chorus- Abschnitten ("Refrain") basiert, mit neuen Texten für die meisten Verse und sich wiederholenden Texten für die Chöre. Popmusik verwendet oft eine strophische Form, manchmal in Verbindung mit dem Zwölftakt-Blues.

In der zehnten Ausgabe von The Oxford Companion to Music, Percy Scholes definiert musikalische Form als „eine Reihe von Strategien entwickelt, um ein erfolgreiches Mittel zwischen den entgegengesetzten Extremen unrelieved Wiederholung und unrelieved Veränderung zu finden.“ Beispiele für gängige Formen westlicher Musik sind die Fuge, die Erfindung, Sonaten-Allegro, Kanon, Strophie, Thema und Variationen sowie Rondo.

Scholes gibt an, dass die europäische klassische Musik nur sechs eigenständige Formen hatte: einfache binäre, einfache ternäre, zusammengesetzte binäre, Rondo, Luft mit Variationen und Fuge (obwohl der Musikwissenschaftler Alfred Mann betonte, dass die Fuge in erster Linie eine Kompositionsmethode ist, die manchmal angenommen wurde zu bestimmten strukturellen Konventionen.)

Wenn ein Stück nicht ohne weiteres in einzelne Abschnitte zerlegt werden kann (obwohl es eine Form eines Gedichts, einer Geschichte oder eines Programms entlehnt ), wird es als durchkomponiert bezeichnet. Dies ist häufig der Fall bei einer Fantasie, einem Vorspiel, einer Rhapsodie, einer Etüde (oder einem Studium), einem symphonischen Gedicht, einer Bagatelle, einem Impromptu usw. Professor Charles Keil klassifizierte Formen und formale Details als "abschnittsweise, entwicklungsbezogen oder variierend".

Schnittform
Diese Form besteht aus einer Folge eindeutiger Einheiten, auf die durch Buchstaben Bezug genommen werden kann, die jedoch häufig Gattungsnamen wie Einleitung und Coda, Exposition, Entwicklung und Rekapitulation, Vers, Chor oder Refrain und Brücke haben. Einleitungen und Codas, wenn sie nicht mehr sind, werden häufig von der formalen Analyse ausgeschlossen. Alle diese Einheiten können typischerweise acht Takte lang sein. Schnittformen umfassen:
Strophische Form
Diese Form zeichnet sich durch ihre "unerleichterte Wiederholung" (AAAA...)
Medley
Medley, Potpourri ist das extreme Gegenteil, das der "ungelösten Variation": Es ist einfach eine unbestimmte Folge von in sich geschlossenen Abschnitten (ABCD...), manchmal mit Wiederholungen (AABBCCDD...). Beispiele hierfür sind Orchester- Ouvertüren, die manchmal sind nicht mehr als eine Reihe der besten Stücke der kommenden Musiktheatershow oder Oper.
Binärform in Dur und Moll. Jeder Abschnitt muss mindestens drei Sätze lang sein.
Binäre Form
Diese Form verwendet zwei Abschnitte (AB...), die jeweils oft wiederholt werden (AABB...). In der westlichen klassischen Musik des 18. Jahrhunderts wurde häufig eine "einfache binäre" Form für Tänze verwendet, die die Konvention mit sich brachte, die die beiden Abschnitte haben sollten in verschiedenen Tonarten sein, aber den gleichen Rhythmus, die gleiche Dauer und den gleichen Ton. Der Wechsel zweier Melodien bietet genügend Abwechslung, um einen Tanz so lange wie gewünscht verlängern zu können.
Ternäre Form
Dieses Formular besteht aus drei Teilen. In der westlichen klassischen Musik hat eine einfache ternäre Form einen dritten Abschnitt, der eine Reprise des ersten (ABA) ist. Oft wird der erste Abschnitt wiederholt (AABA). Dieser Ansatz war beliebt im 18. Jahrhundert Opernarie und hieß da capo (dh „Wiederholung von oben“) Form. Später entstand das 32-Takt-Lied, wobei die B-Sektion dann oft als " mittlere Acht " bezeichnet wurde. Ein Lied braucht mehr als ein Tanz in sich geschlossener Form mit einem Anfang und einem Ende natürlich.
Rondo-Form
Diese Form hat ein wiederkehrendes Thema, das sich mit verschiedenen (normalerweise kontrastierenden) Abschnitten abwechselt, die als "Episoden" bezeichnet werden. Es kann asymmetrisch (ABACADAEA) oder symmetrisch (ABACABA) sein. Ein wiederkehrender Abschnitt, insbesondere das Hauptthema, wird manchmal gründlicher variiert, oder eine Episode kann eine "Entwicklung" davon sein. Ein ähnliches Arrangement ist die Ritornellform des Barockkonzertes Grosso. Die Bogenform (ABCBA) ähnelt einem symmetrischen Rondo ohne Zwischenwiederholungen des Hauptthemas. Es wird normalerweise in einer Runde verwendet.
Variationsform
Thema und Variationen : Ein Thema, das an sich eine kürzere Form haben kann (binär, ternär usw.), bildet den einzigen "Abschnitt" und wird unbegrenzt wiederholt (wie in strophischer Form), aber jedes Mal variiert (A, B., A, F, Z, A), um eine Art Kettenform zu bilden. Eine wichtige Variante davon, die in der britischen Musik des 17. Jahrhunderts und in der Passacaglia und der Chaconne viel verwendet wurde, war die des Grundbasses – ein sich wiederholendes Bassthema oder Basso Ostinato über und um das sich der Rest der Struktur entfaltet, oft, aber nicht immer, polyphone oder kontrapunktische Fäden spinnen oder Divisionen und Nachkommen improvisieren. Dies wird von Scholes (1977) als die Form schlechthin unbegleiteter oder begleiteter Solo-Instrumentalmusik bezeichnet. Das Rondo wird häufig mit unterschiedlichen Abschnitten (AA 1 BA 2 CA 3 BA 4) oder (ABA 1 CA 2 B 1 A) gefunden.
Entwicklungsform
Entwicklungsformen werden direkt aus kleineren Einheiten wie Motiven aufgebaut. Ein bekanntes klassisches Stück mit einem Motiv ist Beethovens fünfte Symphonie, die mit drei kurzen Tonwiederholungen und dann einer langen Note beginnt. In klassischen Stücken, die auf Motiven basieren, wird das Motiv normalerweise auf unterschiedliche Weise kombiniert, variiert und ausgearbeitet, möglicherweise mit einer symmetrischen oder bogenartigen Untermauerung und einer fortschreitenden Entwicklung von Anfang bis Ende. Die mit Abstand wichtigste Entwicklungsform in der westlichen klassischen Musik ist die Sonatenform. Diese Form, auch als erste Bewegungsform, zusammengesetzte binäre oder ternäre Form bekannt, entwickelte sich aus der oben beschriebenen binär geformten Tanzbewegung, wird jedoch fast immer in eine größere ternäre Form mit den nominalen Unterteilungen Exposition, Entwicklung und Rekapitulation gegossen. Normalerweise, aber nicht immer, können die "A" -Teile (Exposition bzw. Rekapitulation) in zwei oder drei Themen oder Themengruppen unterteilt werden, die auseinandergenommen und neu kombiniert werden, um den "B" -Teil (die Entwicklung) zu bilden - also z (AabB[Abw. von a oder b]A 1 ab 1 +coda). Diese Entwicklungsform beschränkt sich im Allgemeinen auf bestimmte Abschnitte des Stücks, wie auch auf den Mittelteil des ersten Satzes einer Sonate, obwohl Komponisten des 19. Jahrhunderts wie Berlioz, Liszt und Wagner tapfere Anstrengungen unternahmen, um groß angelegte Werke rein oder hauptsächlich abzuleiten aus dem Motiv.

Analyse von Stilen

Funk legt den größten Schwerpunkt auf Rhythmus und Groove, wobei ganze Songs auf einem Vamp auf einem einzigen Akkord basieren. Abgebildet sind die einflussreichen Funkmusiker George Clinton und Parliament-Funkadelic aus dem Jahr 2006.

Einige Musikstile legen einen Schwerpunkt auf bestimmte dieser Grundlagen, während andere weniger Wert auf bestimmte Elemente legen. Um ein Beispiel zu nennen, während der Jazz der Bebop- Ära sehr komplexe Akkorde verwendet, einschließlich veränderter Dominanten und herausfordernder Akkordfolgen, mit Akkorden, die sich zwei- oder mehrmals pro Takt ändern und Tonarten mehrmals in einer Melodie wechseln, legt der Funk den größten Schwerpunkt auf Rhythmus und Groove, mit ganzen Songs, die auf einem Vamp auf einem einzigen Akkord basieren. Während die klassische Musik der Romantik der Mitte bis Ende des 19. Jahrhunderts dramatische Dynamikänderungen, von flüsternden Pianissimo-Abschnitten bis hin zu donnernden Fortissimo-Abschnitten, stark nutzt, können einige ganze Barock-Tanzsuiten für Cembalo aus dem frühen 18. Jahrhundert eine einzige Dynamik verwenden. Um ein anderes Beispiel zu nennen: Während einige Kunstmusikstücke, wie z. B. Symphonien, sehr lang sind, sind einige Popsongs nur wenige Minuten lang.

Geschichte

Hauptartikel: Musikgeschichte

Vorgeschichte

Eine über 41.000 Jahre alte Knochenflöte.

Prähistorische Musik kann nur auf der Grundlage von Erkenntnissen aus paläolithischen archäologischen Stätten theoretisiert werden. Oft werden Flöten entdeckt, die aus Knochen geschnitzt sind, in die seitliche Löcher gestochen wurden. Es wird angenommen, dass diese wie die japanischen Shakuhachi an einem Ende gesprengt wurden. Die Divje Babe Flöte, von einem geschnitzten Höhlenbär Femur, wird angenommen, mindestens 40.000 Jahre alt sein. Instrumente wie die Flöte mit sieben Löchern und verschiedene Arten von Saiteninstrumenten wie das Ravanahatha wurden aus den archäologischen Stätten der Indus Valley Civilization geborgen. Indien hat eine der ältesten Musiktraditionen der Welt - Hinweise auf die klassische indische Musik ( Marga) finden sich in den Veden, den alten Schriften der hinduistischen Tradition. Die früheste und größte Sammlung prähistorischer Musikinstrumente wurde in China gefunden und stammt aus der Zeit zwischen 7000 und 6600 v. Die " Hurrian Hymne to Nikkal ", gefunden auf Tontafeln aus der Zeit um 1400 v. Chr., ist das älteste erhaltene notierte Musikwerk.

Antikes Ägypten

Hauptartikel: Musik Ägyptens Musiker von Amun, Grab von Nakht, 18. Dynastie, West-Theben

Die alten Ägypter schrieben einem ihrer Götter, Thoth, die Erfindung der Musik zu, wobei Osiris wiederum als Teil seiner Bemühungen zur Zivilisation der Welt eingesetzt wurde. Die frühesten materiellen und gegenständlichen Beweise für ägyptische Musikinstrumente stammen aus der prädynastischen Zeit, aber die Beweise sind im Alten Reich sicherer belegt, als Harfen, Flöten und Doppelklarinetten gespielt wurden. Percussion-Instrumente, Lyren und Lauten wurden den Orchestern vom Reich der Mitte hinzugefügt. Becken begleiteten häufig Musik und Tanz, so wie sie es heute noch in Ägypten tun. Ägyptische Volksmusik, einschließlich der traditionellen Sufi- Dhikr- Rituale, ist das zeitgenössische Musikgenre, das der altägyptischen Musik am nächsten kommt und viele ihrer Merkmale, Rhythmen und Instrumente bewahrt hat.

Asiatische Kulturen

Indische Frauen in regionaler Kleidung, die eine Vielzahl von Musikinstrumenten spielen, die in verschiedenen Teilen Indiens beliebt sind
Gangubai Hangal Durga

Asiatische Musik deckt ein breites Spektrum von Musikkulturen ab, die in den Artikeln über Arabien, Zentralasien, Ostasien, Südasien und Südostasien untersucht werden. Einige haben Traditionen, die bis in die Antike reichen.

Indische klassische Musik ist eine der ältesten Musiktraditionen der Welt. Die Indus-Valley-Zivilisation hat Skulpturen, die Tanz und alte Musikinstrumente zeigen, wie die Flöte mit sieben Löchern. Durch Ausgrabungen von Sir Mortimer Wheeler wurden aus Harappa und Mohenjo Daro verschiedene Arten von Saiteninstrumenten und Trommeln geborgen. Das Rigveda enthält Elemente der gegenwärtigen indischen Musik mit einer Notenschrift, die den Takt und die Art des Gesangs bezeichnet. Indische klassische Musik (Marga) ist monophon und basiert auf einer einzelnen Melodie oder einem Raga, der rhythmisch durch Talas organisiert ist. Silappadhikaram von Ilango Adigal informiert darüber, wie durch modale Verschiebung der Tonika aus einer bestehenden Tonleiter neue Tonleitern gebildet werden können. Die heutige Hindi-Musik wurde von persischer traditioneller Musik und afghanischen Moguln beeinflusst. Die in den südlichen Bundesstaaten beliebte karnatische Musik ist weitgehend hingebungsvoll. Der Großteil der Lieder ist an die hinduistischen Gottheiten gerichtet. Es gibt auch viele Lieder, die Liebe und andere soziale Themen betonen.

Die klassische chinesische Musik, die traditionelle Kunst oder Hofmusik Chinas, hat eine rund dreitausendjährige Geschichte. Es hat seine eigenen einzigartigen Systeme der musikalischen Notation sowie musikalische Stimmung und Tonhöhe, Musikinstrumente und Stile oder Musikgenres. Chinesische Musik ist pentatonisch-diatonisch und hat eine Tonleiter von zwölf Tönen zu einer Oktave (5 + 7 = 12) wie auch europäisch beeinflusste Musik.

Referenzen in der Bibel

Hauptartikel: Musikgeschichte in der biblischen Zeit "David mit seiner Harfe" Paris Psalter, c. 960, Konstantinopel

Das Wissen über die biblische Zeit stammt hauptsächlich aus literarischen Referenzen in der Bibel und aus postbiblischen Quellen. Der Religions- und Musikhistoriker Herbert Lockyer Jr. schreibt, dass "Musik, sowohl vokal als auch instrumental, im Laufe der Jahrhunderte unter den Hebräern, den neutestamentlichen Christen und der christlichen Kirche gut gepflegt wurde ". Er fügt hinzu, dass "ein Blick auf das Alte Testament zeigt, wie Gottes altes Volk dem Studium und der Praxis der Musik gewidmet war, die einen einzigartigen Platz in den historischen und prophetischen Büchern sowie im Psalter einnimmt."

Musik- und Theaterwissenschaftler, die sich mit der Geschichte und Anthropologie der semitischen und frühjüdisch-christlichen Kultur befassen, haben gemeinsame Verbindungen zwischen den klassischen Kulturen der Hebräer und denen der späteren Griechen und Römer in der Theater- und Musikaktivität entdeckt. Der gemeinsame Leistungsbereich liegt in einem "sozialen Phänomen namens Litanei ", einer Gebetsform, die aus einer Reihe von Anrufungen oder Flehen besteht. Das Journal of Religion and Theatre stellt fest, dass unter den frühesten Formen der Litanei "die hebräische Litanei von einer reichen Musiktradition begleitet wurde:"

Genesis 4,21 weist darauf hin, dass Jubal der „Vater aller ist, die Harfe und Pfeife handhaben“, der Pentateuch schweigt fast über die Praxis und den Unterricht der Musik im frühen Leben Israels.“ In I. Samuel 10 gibt es mehr Darstellungen von „große Chöre und Orchester". Diese großen Ensembles konnten nur mit umfangreichen Proben betrieben werden. Dies hatte einige Wissenschaftler zu der Theorie veranlasst, dass der Prophet Samuel eine öffentliche Musikschule für ein breites Spektrum von Schülern leitete.

Antikes Griechenland

Epitaph von Seikilos Melodie in Annäherung an die griechische Aussprache von Koine und im modernen populären Gesangsstil.
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Musik war ein wichtiger Bestandteil des gesellschaftlichen und kulturellen Lebens im antiken Griechenland. Musiker und Sänger spielten im griechischen Theater eine herausragende Rolle. Mixed-Gender- Chöre werden zu Unterhaltungs-, Feier- und spirituellen Zeremonien aufgeführt. Zu den Instrumenten gehörten die Doppelrohr- Aulos und ein gezupftes Saiteninstrument, die Leier, hauptsächlich die besondere Art, die als Kithara bezeichnet wird. Musik war ein wichtiger Teil der Ausbildung, und Jungen wurde ab dem sechsten Lebensjahr Musik beigebracht. Die griechische musikalische Bildung führte zu einer Blüte der Musikentwicklung. Die griechische Musiktheorie umfasste die griechischen Musikmodi, die schließlich zur Grundlage der westlichen religiösen und klassischen Musik wurden. Später veränderten Einflüsse aus dem Römischen Reich, Osteuropa und dem Byzantinischen Reich die griechische Musik. Das Seikilos-Epitaph ist das älteste erhaltene Beispiel einer vollständigen Musikkomposition, einschließlich Notenschrift, von überall auf der Welt. Das älteste erhaltene Werk zum Thema Musiktheorie ist Harmonika Stoicheia von Aristoxenus.

Mittelalter

Léonin oder Pérotin Breves stirbt hominis
Notenschrift aus einem katholischen Messbuch, c. 1310–1320

Das Mittelalter (476 bis 1400), das während des Mittelalters stattfand, begann mit der Einführung des monophonen ( einstimmigen Gesangs) in die römisch-katholischen Gottesdienste. Musikalische Notation wurde seit der Antike in der griechischen Kultur verwendet, aber im Mittelalter wurde die Notation zuerst von der katholischen Kirche eingeführt, damit die Gesangsmelodien aufgeschrieben werden konnten, um die Verwendung derselben Melodien für religiöse Musik in der gesamten Katholiken zu erleichtern Reich. Das einzige europäische mittelalterliche Repertoire, das vor 800 in schriftlicher Form gefunden wurde, ist der monophone liturgische Chorgesang der römisch-katholischen Kirche, dessen zentrale Überlieferung der Gregorianische Choral genannt wurde. Neben diesen Traditionen der geistlichen und kirchlichen Musik gab es eine lebendige Tradition weltlicher Lieder (nichtreligiöse Lieder). Beispiele für Komponisten aus dieser Zeit sind Léonin, Pérotin, Guillaume de Machaut und Walther von der Vogelweide.

Renaissance

TL de Victoria Amicus meus
Allegorie der Musik von Filippino Lippi

Die Musik der Renaissance (ca. 1400 bis 1600) konzentrierte sich mehr auf weltliche (nicht religiöse) Themen wie höfische Liebe. Um 1450 wurde der Buchdruck erfunden, der gedruckte Noten viel billiger und einfacher in Massenproduktion machte (vor der Erfindung des Buchdrucks wurden alle notierten Noten von Hand kopiert). Die erhöhte Verfügbarkeit von Noten trug dazu bei, Musikstile schneller und über einen größeren Bereich zu verbreiten. Musiker und Sänger arbeiteten oft für die Kirche, Gerichte und Städte. Die Größe der Kirchenchöre nahm zu, und die Kirche blieb ein wichtiger Förderer der Musik. Mitte des 15. Jahrhunderts schrieben Komponisten reich an polyphoner geistlicher Musik, in der verschiedene Melodielinien gleichzeitig miteinander verwoben waren. Prominente Komponisten aus dieser Zeit sind Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley und Orlande de Lassus. Als sich die musikalische Aktivität von der Kirche zu den aristokratischen Höfen verlagerte, kämpften Könige, Königinnen und Fürsten um die besten Komponisten. Viele führende bedeutende Komponisten kamen aus den Niederlanden, Belgien und Nordfrankreich. Sie werden die französisch-flämischen Komponisten genannt. Sie bekleideten wichtige Positionen in ganz Europa, insbesondere in Italien. Andere Länder mit lebhafter musikalischer Aktivität waren Deutschland, England und Spanien.

Barock-

JS Bach Toccata und Fuge

Die Barockzeit der Musik fand von 1600 bis 1750 statt, als der barocke Kunststil in ganz Europa blühte; In dieser Zeit erweiterte sich die Bandbreite und Komplexität der Musik. Die Barockmusik begann mit der Entstehung der ersten Opern (dramatische Solo-Vokalmusik mit Orchesterbegleitung). Während des Barock blieb die polyphone kontrapunktische Musik, in der mehrere simultane unabhängige Melodielinien verwendet wurden, wichtig (Kontrapunkt war in der Vokalmusik des Mittelalters wichtig). Deutsche Barockkomponisten schrieben für kleine Ensembles wie Streicher, Blechbläser und Holzbläser sowie für Chöre und Tasteninstrumente wie Pfeifenorgel, Cembalo und Clavichord. Während dieser Zeit wurden mehrere Hauptmusikformen definiert, die bis in spätere Perioden andauerten, als sie erweitert und weiterentwickelt wurden, einschließlich der Fuge, der Erfindung, der Sonate und des Konzerts. Der spätbarocke Stil war polyphon komplex und reich verziert. Wichtige Komponisten aus der Barockzeit sind Johann Sebastian Bach ( Cellosuiten ), Georg Friedrich Händel ( Messias ), Georg Philipp Telemann und Antonio Lucio Vivaldi ( Die vier Jahreszeiten ).

Klassizismus

WA Mozart Symphonie 40 g-Moll
Wolfgang Amadeus Mozart (am Keyboard sitzend) war ein virtuoses Wunderkind an Klavier und Geige. Noch bevor er ein berühmter Komponist wurde, war er weithin als begabter Performer und Improvisator bekannt.

Die Musik der Klassik (1730 bis 1820) zielte darauf ab, das nachzuahmen, was als Schlüsselelemente der Kunst und Philosophie des antiken Griechenlands und Roms angesehen wurde: die Ideale des Gleichgewichts, der Proportionen und des disziplinierten Ausdrucks. (Hinweis: Die Musik aus der Klassik sollte nicht mit der Klassik im Allgemeinen verwechselt werden, ein Begriff, der sich auf westliche Kunstmusik vom 5. Jahrhundert bis in die 2000er Jahre bezieht und die Klassik als eine von mehreren Perioden einschließt.) Musik aus der Klassik hat eine leichtere, klarere und wesentlich einfachere Textur als die vorhergehende Barockmusik. Der Hauptstil war Homophonie, bei der sich eine markante Melodie und ein untergeordneter akkordischer Begleitpart deutlich unterscheiden. Klassische Instrumentalmelodien waren in der Regel fast stimmhaft und singbar. Neue Genres wurden entwickelt, und das Hammerklavier, der Vorläufer des modernen Klaviers, ersetzte das Cembalo und die Pfeifenorgel der Barockzeit als Haupttasteninstrument (obwohl die Pfeifenorgel weiterhin in geistlicher Musik wie Messen verwendet wurde).

Auf Instrumentalmusik wurde Wert gelegt. Es war geprägt von der Weiterentwicklung der ursprünglich im Barock definierten Musikformen: der Sonate, des Konzerts und der Symphonie. Andere Hauptarten waren Trio, Streichquartett, Serenade und Divertimento. Die Sonate war die wichtigste und am weitesten entwickelte Form. Obwohl Barockkomponisten auch Sonaten geschrieben haben, ist der klassische Sonatenstil völlig anders. Alle wichtigen Instrumentalformen der Klassik, von Streichquartetten über Symphonien bis hin zu Konzerten, basierten auf der Struktur der Sonate. Die verwendeten Instrumente Kammermusik und Orchester wurden stärker standardisiert. Anstelle der Basso-Continuo- Gruppe des Barock, die aus Cembalo, Orgel oder Laute sowie einer Reihe von Bassinstrumenten bestand, die nach Ermessen des Gruppenleiters ausgewählt wurden (z. B. Gambe, Cello, Theorbe, Schlange), klassische Kammermusikgruppen bestimmte, standardisierte Instrumente verwendet (zB würde ein Streichquartett von zwei Violinen, einer Bratsche und einem Cello gespielt). Das improvisierte Akkordspiel des Continuo-Keyboarders oder Lautenspielers aus der Barockzeit wurde zwischen 1750 und 1800 allmählich abgeschafft.

Eine der wichtigsten Änderungen in der Klassik war die Entwicklung öffentlicher Konzerte. Die Aristokratie spielte immer noch eine bedeutende Rolle beim Sponsoring von Konzerten und Kompositionen, aber es war Komponisten nun möglich, zu überleben, ohne ständige Angestellte von Königinnen oder Fürsten zu sein. Die zunehmende Popularität der klassischen Musik führte zu einer Zunahme der Anzahl und Art der Orchester. Die Erweiterung der Orchesterkonzerte erforderte den Bau großer öffentlicher Aufführungsräume. Symphonische Musik mit Symphonien, musikalischer Begleitung zum Ballett und gemischten Vokal- / Instrumentalgenres wie Oper und Oratorium wurde immer beliebter.

Die bekanntesten Komponisten des Klassizismus sind Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Glück, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Franz Schubert. Beethoven und Schubert gelten auch im späteren Teil der Klassik als Komponisten, als sie sich in Richtung Romantik zu bewegen begannen.

Romantik

Das Klavier war im 19. Jahrhundert das Herzstück der sozialen Aktivität der bürgerlichen Städter ( Moritz von Schwind, 1868). Der Mann am Klavier ist der Komponist Franz Schubert.
R. Wagner Die Walküre

Die romantische Musik (ca. 1810 bis 1900) des 19. Jahrhunderts hatte viele Gemeinsamkeiten mit den romantischen Stilen in Literatur und Malerei dieser Zeit. Die Romantik war eine künstlerische, literarische und intellektuelle Bewegung, die sich durch ihre Betonung von Emotion und Individualismus sowie Verherrlichung aller Vergangenheit und Natur auszeichnete. Die romantische Musik erweiterte sich über die starren Stile und Formen der Klassik hinaus in leidenschaftlichere, dramatischere ausdrucksstarke Stücke und Lieder. Romantische Komponisten wie Wagner und Brahms versuchten, in ihrer Musik den emotionalen Ausdruck und die Kraft zu erhöhen, um tiefere Wahrheiten oder menschliche Gefühle zu beschreiben. Mit symphonischen Tondichtungen versuchten Komponisten, mit Instrumentalmusik Geschichten zu erzählen und Bilder oder Landschaften heraufzubeschwören. Einige Komponisten förderten nationalistischen Stolz mit patriotischer Orchestermusik, die von Volksmusik inspiriert wurde. Die emotionalen und ausdrucksstarken Qualitäten der Musik hatten Vorrang vor der Tradition.

Romantische Komponisten wuchsen in ihrer Eigenart und gingen im Synkretismus weiter, indem sie verschiedene Kunstformen in einem musikalischen Kontext (wie Literatur), Geschichte (historische Figuren und Legenden) oder der Natur selbst erforschten. Romantische Liebe oder Sehnsucht war ein vorherrschendes Thema in vielen Werken, die in dieser Zeit komponiert wurden. Teilweise wurden die formalen Strukturen aus der Klassik weiter verwendet (zB die Sonatenform in Streichquartetten und Symphonien ), aber diese Formen wurden erweitert und verändert. In vielen Fällen wurden neue Ansätze für bestehende Genres, Formen und Funktionen untersucht. Außerdem wurden neue Formulare erstellt, die für das neue Thema besser geeignet waren. Komponisten entwickelten weiterhin Opern- und Ballettmusik und erforschten neue Stile und Themen.

In den Jahren nach 1800 führte die von Ludwig van Beethoven und Franz Schubert entwickelte Musik einen dramatischeren, ausdrucksstärkeren Stil ein. In Beethovens Fall kurze Motive entwickelt, organisch, kamen zu ersetzen Melodie als die bedeutendste Zusammensetzungseinheit (ein Beispiel ist die unverwechselbare Note vier Figur in seiner verwendet Fünfte Symphonie ). Spätere romantische Komponisten wie Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky, Antonín Dvořák und Gustav Mahler verwendeten ungewöhnlichere Akkorde und mehr Dissonanz, um dramatische Spannungen zu erzeugen. Sie erzeugten komplexe und oft viel längere musikalische Werke. Während der spätromantischen Zeit untersuchten Komponisten dramatische chromatische Veränderungen der Tonalität, wie erweiterte Akkorde und veränderte Akkorde, die neue Klangfarben hervorbrachten. Im späten 19. Jahrhundert nahm die Größe des Orchesters dramatisch zu, und die industrielle Revolution trug dazu bei, bessere Instrumente und einen kraftvolleren Klang zu schaffen. Öffentliche Konzerte wurden zu einem wichtigen Bestandteil der wohlhabenden städtischen Gesellschaft. Es gab auch eine neue Vielfalt in der Theatermusik, einschließlich Operette, Musikkomödie und anderen Formen des Musiktheaters.

20. und 21. Jahrhundert

Hauptartikel: Musik des 20. Jahrhunderts

Im 19. Jahrhundert war einer der wichtigsten Wege, wie neue Kompositionen der Öffentlichkeit bekannt wurden, der Verkauf von Noten, die Amateurmusikliebhaber der Mittelklasse zu Hause auf ihrem Klavier oder anderen gängigen Instrumenten wie der Geige aufführten. Mit der Musik des 20. Jahrhunderts, der Erfindung neuer elektrischer Technologien wie dem Rundfunk und der Massenmarktverfügbarkeit von Schallplatten, wurden Tonaufnahmen von Liedern und Stücken, die die Hörer (entweder im Radio oder auf ihrem Plattenspieler) hörten, zum Hauptweg um neue Lieder und Stücke kennenzulernen. Das Musikhören nahm stark zu, als das Radio an Popularität gewann und Phonographen zum Wiedergeben und Verteilen von Musik verwendet wurden, da im 19. Jahrhundert der Fokus auf Noten den Zugang zu neuer Musik für die Mittelschicht und die Oberschicht einschränkte konnte Musik lesen und wer Klaviere und Instrumente besaß, im 20. Jahrhundert konnte jeder mit einem Radio oder Plattenspieler Opern, Symphonien und Big Bands direkt in seinem eigenen Wohnzimmer hören. Dies ermöglichte es Menschen mit geringerem Einkommen, die sich niemals eine Opern- oder Sinfoniekonzertkarte leisten konnten, diese Musik zu hören. Es bedeutete auch, dass Menschen Musik aus verschiedenen Teilen des Landes oder sogar aus verschiedenen Teilen der Welt hören konnten, selbst wenn sie es sich nicht leisten konnten, zu diesen Orten zu reisen. Dies half, Musikstile zu verbreiten.

Der Schwerpunkt der Kunstmusik des 20. Jahrhunderts war geprägt von der Erforschung neuer Rhythmen, Stile und Klänge. Die Schrecken des Ersten Weltkriegs beeinflussten viele der Künste, einschließlich der Musik, und einige Komponisten begannen, dunklere, härtere Klänge zu erforschen. Traditionelle Musikstile wie Jazz und Volksmusik wurden von Komponisten als Ideengeber für die klassische Musik verwendet. Igor Strawinsky, Arnold Schönberg und John Cage waren einflussreiche Komponisten in der Kunstmusik des 20. Jahrhunderts. Die Erfindung der Tonaufnahme und die Fähigkeit, Musik zu bearbeiten, führten zu einem neuen Subgenre der klassischen Musik, einschließlich der Akusmatik- und Musique-Concrète- Schulen für elektronische Komposition. Die Tonaufnahme war auch ein wichtiger Einflussfaktor für die Entwicklung populärer Musikgenres, da damit Aufnahmen von Liedern und Bands weit verbreitet werden konnten. Die Einführung des Multitrack-Recording- Systems hatte einen großen Einfluss auf die Rockmusik, da es viel mehr konnte, als die Performance einer Band aufzuzeichnen. Mit einem Multitrack-System könnten eine Band und ihr Musikproduzent viele Ebenen von Instrumentenspuren und Gesang überspielen und so neue Sounds erzeugen, die bei einer Live-Performance nicht möglich wären.

Der Jazz entwickelte sich im Laufe des 20. Jahrhunderts zu einem wichtigen Musikgenre, und in der zweiten Hälfte dieses Jahrhunderts tat die Rockmusik dasselbe. Jazz ist eine amerikanische Musikkunstform, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in afroamerikanischen Gemeinden im Süden der USA aus einem Zusammenfluss afrikanischer und europäischer Musiktraditionen entstand. Der westafrikanische Stammbaum des Stils zeigt sich in der Verwendung von blauen Tönen, Improvisation, Polyrhythmen, Synkopen und der geschwungenen Note.

Rockmusik ist ein Genre populärer Musik, das sich in den 1960er Jahren aus Rock'n'Roll, Rockabilly, Blues und Country-Musik der 1950er Jahre entwickelte. Der Sound des Rock dreht sich oft um die E - Gitarre oder akustische Gitarre, und es verwendet einen starken Rücken schlagen von einem festgelegten Rhythmus - Sektion. Als Soloinstrumente werden neben Gitarre oder Keyboards Saxophon und Blues-Mundharmonika verwendet. In seiner "reinsten Form" hat es "drei Akkorde, einen starken, beharrlichen Backbeat und eine eingängige Melodie". Die traditionelle Rhythmusgruppe für populäre Musik ist Rhythmusgitarre, E-Bass, Schlagzeug. Einige Bands haben auch Tasteninstrumente wie Orgel, Klavier oder seit den 1970er Jahren analoge Synthesizer. In den 1980er Jahren begannen Popmusiker, digitale Synthesizer wie den DX-7- Synthesizer, elektronische Drum-Maschinen wie den TR-808 und Synth-Bass-Geräte (wie den TB-303 ) oder Synth-Bass- Keyboards zu verwenden. In den neunziger Jahren wurde eine immer größere Auswahl an computergestützten Hardware-Musikgeräten sowie Instrumenten und Software (z. B. digitale Audio-Workstations ) verwendet. In den 2020er Jahren ermöglichen es Softsynths und Computermusik-Apps Schlafzimmerproduzenten, einige Arten von Musik wie elektronische Tanzmusik zu Hause zu erstellen und aufzunehmen, gesampelte und digitale Instrumente hinzuzufügen und die Aufnahme digital zu bearbeiten. In den 1990er Jahren begannen einige Bands in Genres wie Nu Metal, DJs in ihre Bands aufzunehmen. DJs erstellen Musik, indem sie aufgenommene Musik auf Plattenspielern oder CD-Playern mit einem DJ-Mixer bearbeiten.

Performance

Chinesische Naxi- Musiker Assyrer spielen Zurna und Davul, Instrumente, die Jahrtausende zurückreichen.

Performance ist der physische Ausdruck von Musik, der auftritt, wenn ein Lied gesungen wird oder wenn ein Klavierstück, eine E-Gitarrenmelodie, eine Symphonie, ein Schlagzeugschlag oder eine andere musikalische Rolle von Musikern gespielt wird. In der klassischen Musik ein Musikwerk wird in schriftliche Musiknotation von einem Komponisten, und dann wird es ausgeführt, wenn der Komponist mit seiner Struktur und Instrumentierung erfüllt ist. Allerdings kann sich die Interpretation eines Songs oder Stücks im Laufe der Aufführung weiterentwickeln und verändern. In der klassischen Musik können Instrumentalisten, Sänger oder Dirigenten nach und nach die Phrasierung oder das Tempo eines Stücks ändern. In der populären und traditionellen Musik haben die Interpreten viel mehr Freiheit, Änderungen an der Form eines Liedes oder Stücks vorzunehmen. Als solche in populären und traditionellen Musikstilen, auch wenn eine Band ein spielt Cover - Song, können sie Änderungen vornehmen, wie ein Hinzufügen von Gitarrensolo oder Einfügen einer Einführung.

Eine Aufführung kann entweder geplant und einstudiert (geübt) werden – was in der klassischen Musik, bei Jazz- Bigbands und vielen populären Musikstilen die Norm ist – oder über eine Akkordfolge (eine Folge von Akkorden) improvisiert werden, was in kleinen die Norm ist Jazz- und Bluesgruppen. Die Proben von Orchestern, Blasorchestern und Chören werden von einem Dirigenten geleitet. Rock-, Blues- und Jazzbands werden normalerweise vom Bandleader geführt. Eine Probe ist eine strukturierte Wiederholung eines Liedes oder Stücks durch die Interpreten, bis es richtig gesungen oder gespielt werden kann, und wenn es sich um ein Lied oder Stück für mehr als einen Musiker handelt, bis die Teile aus einer rhythmischen und stimmenden Perspektive zusammen sind. Improvisation ist die Kreation einer musikalischen Idee – einer Melodie oder einer anderen musikalischen Linie – die vor Ort erstellt wird, oft basierend auf Tonleitern oder bereits existierenden melodischen Riffs.

Viele Kulturen haben starke Traditionen des Soloauftritts (in denen ein Sänger oder Instrumentalist auftritt), wie in der klassischen indischen Musik und in der westlichen Kunstmusiktradition. Andere Kulturen, wie auf Bali, beinhalten starke Traditionen der Gruppenleistung. Alle Kulturen enthalten eine Mischung aus beidem, und die Aufführung kann von improvisiertem Solospiel bis zu hoch geplanten und organisierten Aufführungen wie dem modernen klassischen Konzert, religiösen Prozessionen, Festivals für klassische Musik oder Musikwettbewerben reichen. Kammermusik, Musik für ein kleines Ensemble mit nur wenigen Instrumenten, wird oft als intimer angesehen als große symphonische Werke.

Mündliche und akustische Tradition

Viele Arten von Musik, wie traditioneller Blues und Volksmusik, wurden nicht in Noten niedergeschrieben ; stattdessen wurden sie ursprünglich im Gedächtnis der Interpreten aufbewahrt, und die Lieder wurden mündlich, von einem Musiker oder Sänger zu einem anderen überliefert, oder akustisch, bei dem ein Interpret ein Lied „ nach Gehör “ lernt. Wenn der Komponist eines Liedes oder Stücks nicht mehr bekannt ist, wird diese Musik oft als „traditionell“ oder als „Volkslied“ eingestuft. Unterschiedliche Musiktraditionen haben unterschiedliche Einstellungen dazu, wie und wo Änderungen am ursprünglichen Ausgangsmaterial vorgenommen werden sollen, von recht strengen bis zu solchen, die Improvisation oder Modifikation der Musik erfordern. Die Geschichte und Geschichten einer Kultur können auch durch Lieder nach Gehör weitergegeben werden.

Ornamentik

Trillerzeichen - ein schneller Wechsel zwischen zwei Noten.

In der Musik besteht ein Ornament aus hinzugefügten Noten, die eine Melodie, eine Basslinie oder einen anderen musikalischen Teil dekorieren. Das Detail, das explizit in der Musiknotation enthalten ist, variiert zwischen Genres und historischen Perioden. Im Allgemeinen erforderte die kunstmusikalische Notation vom 17. bis zum 19. Jahrhundert von den Interpreten ein großes kontextbezogenes Wissen über Aufführungsstile. Zum Beispiel zeigte im 17. und 18. Jahrhundert Musik, die für Solisten notiert wurde, typischerweise eine einfache, schmucklose Melodie an. Von den Darstellern wurde erwartet, dass sie wissen, wie man stilistisch angemessene Ornamente hinzufügt, um die Musik interessanter zu machen, wie Triller und Turns. Unterschiedliche Musikstile verwenden unterschiedliche Ornamente. Ein Barockflötenspieler kann Mordents hinzufügen, dh kurze Noten, die vor der Hauptmelodienote entweder über oder unter der Hauptmelodienote gespielt werden. Ein Blues-Gitarrist, der E-Gitarre spielt, könnte String Bending verwenden, um Ausdruck zu verleihen; ein Heavy-Metal-Gitarrist könnte Hammer-Ons und Pull-Offs verwenden.

Im 19. Jahrhundert kann Kunstmusik für Solisten eine allgemeine Anweisung geben, die Musik ausdrucksvoll zu spielen, ohne detailliert zu beschreiben, wie der Künstler dies tun soll. Vom Performer wurde erwartet, dass er weiß, wie man Tempowechsel, Akzentuierung und Pausen (unter anderem) einsetzt, um diesen "ausdrucksstarken" Darbietungsstil zu erhalten. Im 20. Jahrhundert wurde die Notation von Kunstmusik oft expliziter und verwendete eine Reihe von Markierungen und Anmerkungen, um den Darstellern anzuzeigen, wie sie das Stück spielen oder singen sollten. Bei populärer Musik und traditionellen Musikstilen wird von den Darstellern erwartet, dass sie wissen, welche Arten von Ornamenten für ein bestimmtes Lied oder Stück stilistisch geeignet sind, und die Darsteller fügen sie normalerweise improvisiert hinzu. Eine Ausnahme bilden Note-für-Note-Soli, bei denen einige Spieler eine berühmte Version eines Solos, wie beispielsweise ein Gitarrensolo, präzise nachbilden.

Philosophie und Ästhetik

Weitere Informationen: Musikästhetik Gemälde von Boldini einer Frau, die Klavier spielt

Die Musikphilosophie ist ein Teilgebiet der Philosophie. Die Musikphilosophie beschäftigt sich mit grundlegenden Fragen der Musik. Das philosophische Studium der Musik hat viele Verbindungen zu philosophischen Fragen der Metaphysik und Ästhetik. Einige grundlegende Fragen in der Philosophie der Musik sind:

In der Antike, wie bei den alten Griechen, erforschte die Ästhetik der Musik die mathematischen und kosmologischen Dimensionen der rhythmischen und harmonischen Organisation. Im 18. Jahrhundert verlagerte sich der Fokus auf das Erleben von Musik und damit auf Fragen nach ihrer Schönheit und dem menschlichen Genuss ( Plaisir und Renaissance ) von Musik. Der Ursprung dieses philosophischen Wandels wird manchmal Alexander Gottlieb Baumgarten im 18. Jahrhundert zugeschrieben, gefolgt von Immanuel Kant. Durch ihre Schrift erhielt der antike Begriff „Ästhetik“, also Sinneswahrnehmung, seine heutige Konnotation. In den 2000er Jahren tendierten Philosophen dazu, Themen neben Schönheit und Genuss zu betonen. Zum Beispiel war die Fähigkeit von Musik, Emotionen auszudrücken, ein zentrales Thema.

Im 20. Jahrhundert wurden wichtige Beiträge von Peter Kivy, Jerrold Levinson, Roger Scruton und Stephen Davies geleistet. Viele Musiker, Musikkritiker und andere Nicht-Philosophen haben jedoch zur Ästhetik der Musik beigetragen. Im 19. Jahrhundert entstand eine bedeutende Debatte zwischen Eduard Hanslick, einem Musikkritiker und Musikwissenschaftler und Komponist Richard Wagner darüber, ob Musik Sinn ausdrücken kann. Harry Partch und einige andere Musikwissenschaftler wie Kyle Gann haben mikrotonale Musik und die Verwendung alternativer Musikskalen studiert und versucht, sie bekannt zu machen. Auch viele moderne Komponisten wie La Monte Young, Rhys Chatham und Glenn Branca widmeten einer Skala, die nur Intonation genannt wird, große Aufmerksamkeit.

Es wird oft angenommen, dass Musik die Fähigkeit hat, unsere Emotionen, unseren Intellekt und unsere Psychologie zu beeinflussen ; es kann unsere Einsamkeit lindern oder unsere Leidenschaften anregen. Der Philosoph Plato weist in The Republic darauf hin, dass Musik eine direkte Wirkung auf die Seele hat. Daher schlägt er vor, dass Musik im Idealfall vom Staat streng reguliert wird (Buch VII). Im alten China glaubte der Philosoph Konfuzius, dass Musik und Rituale oder Riten mit der Natur verbunden und harmonisch sind; Er erklärte, dass Musik die Harmonisierung von Himmel und Erde sei, während die Ordnung durch die Ritenordnung gebracht werde, was sie zu äußerst wichtigen Funktionen in der Gesellschaft mache.

Es gibt eine starke Tendenz in der Musikästhetik, die überragende Bedeutung der kompositorischen Struktur zu betonen; Andere Themen, die die Ästhetik der Musik betreffen, sind Lyrik, Harmonie, Hypnose, Emotionalität, zeitliche Dynamik, Resonanz, Verspieltheit und Farbe (siehe auch musikalische Entwicklung ).

Psychologie

Die moderne Musikpsychologie zielt darauf ab, musikalisches Verhalten und Erleben zu erklären und zu verstehen. Die Forschung auf diesem Gebiet und seinen Teilgebieten ist in erster Linie empirisch ; Ihr Wissen entwickelt sich tendenziell auf der Grundlage von Interpretationen von Daten, die durch systematische Beobachtung und Interaktion mit menschlichen Teilnehmern gesammelt wurden. Neben den Fokus auf fundamentale Wahrnehmung und kognitiven Prozessen, ist Musikpsychologie ein Bereich der Forschung mit praktischer Relevanz für viele Bereiche, einschließlich Musik Performance, Komposition, Bildung, Kritik und Therapie, sowie Untersuchungen der menschlichen Fähigkeit, Geschicklichkeit, Intelligenz, Kreativität und soziales Verhalten.

Neurowissenschaften

Hauptartikel: Neurowissenschaften der Musik Der primäre auditive Kortex ist einer der Hauptbereiche, die mit einer überlegenen Tonhöhenauflösung verbunden sind.

Die kognitive Neurowissenschaft der Musik ist die wissenschaftliche Untersuchung von gehirnbasierten Mechanismen, die an den kognitiven Prozessen beteiligt sind, die der Musik zugrunde liegen. Zu diesen Verhaltensweisen gehören Musikhören, Aufführen, Komponieren, Lesen, Schreiben und Nebenaktivitäten. Es geht auch zunehmend um die Gehirnbasis für musikalische Ästhetik und musikalische Emotionen. Das Feld zeichnet sich durch seine Abhängigkeit von direkten Beobachtungen des Gehirns aus, die Techniken wie funktionelle Magnetresonanztomographie (fMRT), transkranielle Magnetstimulation (TMS), Magnetenzephalographie (MEG), Elektroenzephalographie (EEG) und Positronenemissionstomographie (PET) verwenden..

Kognitive Musikwissenschaft

Die kognitive Musikwissenschaft ist ein Zweig der Kognitionswissenschaft, der sich mit der rechnergestützten Modellierung musikalischen Wissens mit dem Ziel befasst, sowohl Musik als auch Kognition zu verstehen. Der Einsatz von Computermodellen bietet ein anspruchsvolles, interaktives Medium zur Formulierung und Prüfung von Theorien und hat seine Wurzeln in der Künstlichen Intelligenz und Kognitionswissenschaft.

Dieses interdisziplinäre Feld untersucht Themen wie die Parallelen zwischen Sprache und Musik im Gehirn. Biologisch inspirierte Rechenmodelle werden häufig in die Forschung einbezogen, wie beispielsweise neuronale Netze und evolutionäre Programme. Dieses Feld versucht zu modellieren, wie musikalisches Wissen dargestellt, gespeichert, wahrgenommen, aufgeführt und generiert wird. Durch die Verwendung einer gut strukturierten Computerumgebung können die systematischen Strukturen dieser kognitiven Phänomene untersucht werden.

Psychoakustik

Weitere Informationen: Anhörung

Psychoakustik ist die wissenschaftliche Untersuchung der Schallwahrnehmung. Insbesondere ist es der Wissenschaftszweig, der die psychologischen und physiologischen Reaktionen untersucht, die mit Klang verbunden sind (einschließlich Sprache und Musik). Es kann weiter als Zweig der Psychophysik eingestuft werden.

Evolutionäre Musikwissenschaft

Die evolutionäre Musikwissenschaft befasst sich mit den "Ursprüngen der Musik, der Frage des Tierliedes, dem Selektionsdruck, der der Musikentwicklung zugrunde liegt" und der "Musikentwicklung und menschlichen Evolution". Es versucht, die Wahrnehmung und Aktivität von Musik im Kontext der Evolutionstheorie zu verstehen. Charles Darwin spekulierte, dass Musik möglicherweise einen adaptiven Vorteil hatte und als Protosprache fungierte, eine Sichtweise, die mehrere konkurrierende Theorien der Musikevolution hervorgebracht hat. Eine andere Sichtweise sieht Musik als Nebenprodukt der linguistischen Evolution ; eine Art "auditorischer Käsekuchen", der die Sinne erfreut, ohne eine adaptive Funktion bereitzustellen. Dieser Ansicht wurde von zahlreichen Musikforschern direkt widersprochen.

Kulturelle Effekte

Hauptartikel: Kultur in der Musikkognition Siehe auch: Ethnomusikologie

Die Kultur oder ethnische Zugehörigkeit eines Individuums spielt eine Rolle bei seiner musikalischen Wahrnehmung, einschließlich seiner Vorlieben, emotionalen Reaktionen und seines musikalischen Gedächtnisses. Musikalische Vorlieben sind voreingenommen gegenüber kulturell vertrauten Musiktraditionen, die in den Kinderschuhen beginnen, und die Klassifizierung der Emotionen eines Musikstücks durch Erwachsene hängt sowohl von kulturspezifischen als auch von universellen strukturellen Merkmalen ab. Darüber hinaus sind die musikalischen Gedächtnisfähigkeiten des Einzelnen für kulturell vertraute Musik größer als für kulturell unbekannte Musik.

Soziologische Aspekte

Hauptartikel: Soziomusikologie Song Dynasty (960-1279) Gemälde, Night Revels of Han Xizai, zeigt chinesische Musiker, die Gäste auf einer Party in einem Haushalt aus dem 10. Jahrhundert unterhalten

Viele ethnografische Studien zeigen, dass Musik eine partizipative, gemeinschaftsbasierte Aktivität ist. Musik wird von Individuen in einer Reihe von sozialen Umgebungen erlebt, die vom Alleinsein bis zum Besuch eines großen Konzerts reichen und eine Musikgemeinschaft bilden, die nicht als Funktion des individuellen Willens oder Unfalls verstanden werden kann. Es umfasst sowohl kommerzielle als auch nichtkommerzielle Teilnehmer mit gemeinsamen gemeinsamen Werten. Musikalische Darbietungen nehmen in verschiedenen Kulturen und sozioökonomischen Milieus unterschiedliche Formen an. In Europa und Nordamerika gibt es oft eine Kluft zwischen den Arten von Musik, die als " Hochkultur " und " Niedrigkultur " angesehen werden. Musikarten der "Hochkultur" umfassen typischerweise westliche Kunstmusik wie Barock-, Klassik-, Romantik- und Neuzeitsinfonien, Konzerte und Solowerke und werden typischerweise in formellen Konzerten in Konzertsälen und Kirchen gehört, wobei das Publikum ruhig sitzt in Sitzen.

Andere Arten von Musik - einschließlich, aber nicht beschränkt auf Jazz, Blues, Soul und Country - werden häufig in Bars, Nachtclubs und Theatern aufgeführt, in denen das Publikum möglicherweise durch Jubel trinken, tanzen und sich ausdrücken kann. Bis zum späten 20. Jahrhundert wurde die Trennung zwischen "hohen" und "niedrigen" Musikformen allgemein als gültige Unterscheidung akzeptiert, die qualitativ hochwertigere, fortgeschrittenere "Kunstmusik" von den populären Musikstilen in Bars und Tanzlokalen trennte.

In den 1980er und 1990er Jahren argumentierten Musikwissenschaftler, die diese wahrgenommene Kluft zwischen "hohen" und "niedrigen" Musikgenres untersuchten, dass diese Unterscheidung nicht auf dem musikalischen Wert oder der Qualität der verschiedenen Arten von Musik beruht. Vielmehr argumentierten sie, dass diese Unterscheidung weitgehend auf der sozioökonomischen Stellung oder der sozialen Klasse der Interpreten oder des Publikums der verschiedenen Musikarten beruhte. Während beispielsweise das Publikum für klassische Sinfoniekonzerte in der Regel ein überdurchschnittliches Einkommen hat, kann das Publikum für ein Rap-Konzert in einem innerstädtischen Gebiet ein unterdurchschnittliches Einkommen haben. Obwohl die Darsteller, das Publikum oder der Veranstaltungsort, an dem nicht "Kunst" -Musik aufgeführt wird, möglicherweise einen niedrigeren sozioökonomischen Status haben, kann die Musik, die aufgeführt wird, wie Blues, Rap, Punk, Funk oder Ska, sehr komplex und raffiniert sein.

Wenn Komponisten Musikstile einführen, die gegen die Konvention verstoßen, kann es zu einem starken Widerstand von akademischen Musikexperten und der Populärkultur kommen. Spätzeitige Beethoven-Streichquartette, Strawinsky-Ballettpartituren, Serialismus, Bebop- Era- Jazz, Hip-Hop, Punkrock und Electronica wurden von einigen Kritikern bei ihrer Einführung als Nicht-Musik angesehen. Solche Themen werden in der Musiksoziologie untersucht. Das soziologische Studium der Musik, manchmal auch Soziomusikologie genannt, wird häufig in Abteilungen für Soziologie, Medienwissenschaft oder Musik betrieben und ist eng mit dem Gebiet der Ethnomusikologie verbunden.

Rolle der Frau

Hauptartikel: Frauen in der Musik Komponistin und Pianistin Clara Schumann aus dem 19. Jahrhundert

Frauen haben im Laufe der Geschichte eine wichtige Rolle in der Musik gespielt, als Komponisten, Songwriter, Instrumentalisten, Sänger, Dirigenten, Musikwissenschaftler, Musikpädagogen, Musikkritiker / Musikjournalisten und andere Musikberufe. Außerdem werden Musikbewegungen, Veranstaltungen und Genres mit Bezug zu Frauen, Frauenthemen und Feminismus beschrieben. Während in den 2010er Jahren Frauen einen erheblichen Anteil an Popmusik- und Klassiksängern und einen erheblichen Anteil an Songwritern ausmachen (viele von ihnen Singer-Songwriter), gibt es nur wenige weibliche Plattenproduzenten, Rockkritiker und Rockinstrumentalisten. Obwohl es vom Mittelalter bis heute eine große Anzahl von Komponistinnen in der klassischen Musik gab, sind Komponistinnen im häufig gespielten Repertoire klassischer Musik, in musikgeschichtlichen Lehrbüchern und in Musikenzyklopädien deutlich unterrepräsentiert. in der Concise Oxford History of Music wird Clara Schumann beispielsweise als eine der wenigen weiblichen Komponisten erwähnt.

Frauen machen einen erheblichen Anteil der Instrumentalsolisten in der klassischen Musik aus, und der Anteil der Frauen in Orchestern nimmt zu. Ein Artikel aus dem Jahr 2015 über Konzertsolisten in großen kanadischen Orchestern zeigte jedoch, dass 84 % der Solisten des Orchestre Symphonique de Montreal Männer waren. 2012 machten Frauen nur noch 6% der hochrangigen Wiener Philharmoniker aus. Frauen sind als Instrumentalisten in populären Musikgenres wie Rock und Heavy Metal weniger verbreitet, obwohl es eine Reihe bemerkenswerter weiblicher Instrumentalistinnen und rein weiblicher Bands gab. Frauen sind in extremen Metal- Genres besonders unterrepräsentiert. In der Popmusikszene der 1960er Jahre war das Songwriting [in den 1960er Jahren] wie die meisten Aspekte des Musikgeschäfts ein von Männern dominiertes Feld. Obwohl es viele Sängerinnen im Radio gab, waren Frauen...wurden in erster Linie als Konsumenten gesehen:... Singen war manchmal ein akzeptabler Zeitvertreib für ein Mädchen, aber ein Instrument zu spielen, Songs zu schreiben oder Platten zu produzieren, war einfach nicht getan. " Junge Frauen "... waren nicht sozialisiert, um sich als Menschen zu sehen, die [Musik] schaffen."

Frauen sind auch in den Bereichen Orchesterleitung, Musikkritik / Musikjournalismus, Musikproduktion und Tontechnik unterrepräsentiert. Während Frauen im 19. Jahrhundert vom Komponieren abgehalten wurden und es nur wenige Musikwissenschaftlerinnen gibt, engagierten sich Frauen in der Musikausbildung "... in einem solchen Ausmaß, dass Frauen [dieses Gebiet] in der späteren Hälfte des 19. Jahrhunderts und bis weit in das Jahr hinein dominierten Das 20. Jahrhundert."

Laut Jessica Duchen, einer Musikautorin für The Independent in London, werden Musikerinnen in der klassischen Musik "... zu oft nach ihrem Aussehen beurteilt und nicht nach ihrem Talent" und sie stehen unter dem Druck, "auf der Bühne und auf Fotos sexy auszusehen".." Duchen sagt, dass es zwar Musikerinnen gibt, die sich weigern, auf ihr Aussehen zu spielen, aber diejenigen, die dies tun, dazu neigen, materiell erfolgreicher zu sein. Laut der britischen Radio 3-Redakteurin Edwina Wolstencroft ist die Musikindustrie seit langem offen dafür, Frauen in Aufführungs- oder Unterhaltungsrollen zu haben, aber Frauen haben viel seltener Autoritätspositionen, beispielsweise als Orchesterleiterin. In der Popmusik gibt es zwar viele Sängerinnen, die Songs aufnehmen, aber nur sehr wenige Frauen hinter der Audiokonsole, die als Musikproduzenten fungieren und die den Aufnahmeprozess leiten und verwalten. Einer der am häufigsten aufgenommenen Künstler ist Asha Bhosle, eine indische Sängerin, die am besten als Playback-Sängerin im Hindi-Kino bekannt ist.

Medien und Technik

Weitere Informationen: Computermusik und Musiktechnik Musikproduktion in den 2000er Jahren mit einer Digital Audio Workstation (DAW) mit elektronischer Tastatur und Multi-Monitor- Setup

Die Musik, die Komponisten und Songschreiber machen, kann über verschiedene Medien gehört werden. die traditionellste Art ist, es live zu hören, in Anwesenheit der Musiker (oder als einer der Musiker), in einem Außen- oder Innenbereich wie einem Amphitheater, einem Konzertsaal, einem Kabarettsaal, einem Theater, einer Kneipe oder einem Kaffeehaus. Seit dem 20. Jahrhundert kann Live-Musik auch über Radio, Fernsehen oder Internet übertragen oder auf einem CD-Player oder MP3-Player aufgenommen und angehört werden.

Einige Musikstile konzentrieren sich auf die Produktion von Songs und Stücken für eine Live-Performance, während andere sich auf die Produktion einer Aufnahme konzentrieren, die Sounds mischt, die nie "live" gespielt wurden. Selbst in im Wesentlichen Live-Stilen wie Rock nutzen Aufnahmeingenieure häufig die Möglichkeit zum Bearbeiten, Spleißen und Mischen, um Aufnahmen zu erstellen, die als "besser" als die tatsächliche Live-Performance angesehen werden können. Zum Beispiel nehmen einige Sänger selbst eine Melodie auf und nehmen dann mehrere Harmonieparts mit Overdubbing auf, wodurch ein Sound entsteht, der live unmöglich zu machen wäre.

Technologie hat die Musik seit prähistorischen Zeiten beeinflusst, als Höhlenmenschen vor 41.000 Jahren mit einfachen Werkzeugen Löcher in Knochenflöten bohrten. Die Technologie beeinflusste die Musik während der gesamten Musikgeschichte weiterhin, da sie die Verwendung neuer Instrumente und Musiknotationsreproduktionssysteme ermöglichte, wobei einer der Wendepunkte in der Musiknotation die Erfindung des Buchdrucks im 15. musste länger von Hand kopiert werden. Im 19. Jahrhundert führte die Musiktechnologie zur Entwicklung eines leistungsstärkeren, lauteren Klaviers und zur Entwicklung neuer Ventile aus Blechbläsern.

Im frühen 20. Jahrhundert (in den späten 1920er Jahren), als im frühen 20. Jahrhundert sprechende Bilder mit ihren aufgezeichneten Musikstücken auftauchten, waren immer mehr Musiker des Filmorchesters arbeitslos. In den 1920er Jahren waren Live-Musikdarbietungen von Orchestern, Pianisten und Theaterorganisten in den ersten Theatern üblich. Mit dem Erscheinen der sprechenden Kinofilme wurden diese vorgestellten Aufführungen weitgehend eliminiert. Die American Federation of Musicians (AFM) hat in Zeitungsanzeigen gegen den Ersatz von Live-Musikern durch mechanische Spielgeräte protestiert. Eine Anzeige aus dem Jahr 1929, die in der Pittsburgh Press erschien, enthält das Bild einer Dose mit der Aufschrift "Canned Music / Big Noise Brand / Garantiert keine intellektuelle oder emotionale Reaktion".

Seit der Einführung von Gesetzen zum Schutz von ausübenden Künstlern, Komponisten, Verlegern und Produzenten, einschließlich des Audio Home Recording Act von 1992 in den Vereinigten Staaten, und der 1979 revidierten Berner Übereinkunft zum Schutz von Werken der Literatur und Kunst im Vereinigten Königreich, Aufnahmen und Live-Auftritte sind auch über Computer, Geräte und das Internet in einer Form zugänglicher geworden, die allgemein als Music-On-Demand bekannt ist.

In vielen Kulturen gibt es weniger Unterschiede zwischen Aufführen und Hören von Musik, da praktisch jeder an einer Art musikalischer Aktivität beteiligt ist, oft in einem gemeinschaftlichen Umfeld. In den Industrieländern war es ungefähr in der Mitte des 20. Jahrhunderts üblicher, Musik über eine aufgezeichnete Form zu hören, beispielsweise über Tonaufnahmen oder Radio, als Live-Auftritte zu erleben. In den 1980er Jahren war das Ansehen von Musikvideos eine beliebte Möglichkeit, Musik zu hören und gleichzeitig die Darsteller zu sehen.

Manchmal enthalten Live-Auftritte zuvor aufgenommene Sounds. Zum Beispiel kann ein Discjockey verwendet Disc Aufzeichnungen für Kratzen und einige Werke des 20. Jahrhunderts haben ein Solo für ein Instrument oder Stimme, die zusammen mit Musik durchgeführt wird, die auf einem Band voraufgezeichnet ist. Einige Popbands verwenden aufgenommene Backing-Tracks. Computer und viele Keyboards können so programmiert werden, dass sie MIDI-Musik ( Musical Instrument Digital Interface ) erzeugen und wiedergeben. Das Publikum kann auch zu Darstellern werden, indem es an Karaoke teilnimmt, einer Aktivität japanischen Ursprungs, die sich auf ein Gerät konzentriert, das sprachgestützte Versionen bekannter Songs wiedergibt. Die meisten Karaoke-Geräte verfügen auch über Videobildschirme, auf denen Texte zu den gespielten Songs angezeigt werden. Darsteller können den Texten folgen, während sie über die Instrumentalspuren singen.

Internet

Das Aufkommen des Internets und der weit verbreitete Hochgeschwindigkeitsbreitbandzugang haben das Musikerlebnis verändert, unter anderem durch den einfacheren Zugang zu Musikaufnahmen über das Streamen von Videos und die erheblich größere Auswahl an Musik für Verbraucher. Chris Anderson schlägt in seinem Buch The Long Tail: Warum die Zukunft des Geschäfts weniger von mehr verkauft, vor, dass das traditionelle Wirtschaftsmodell von Angebot und Nachfrage die Knappheit beschreibt, während das Internet-Einzelhandelsmodell auf Überfluss basiert. Die Kosten für die digitale Speicherung sind niedrig, sodass ein Unternehmen es sich leisten kann, seinen gesamten Aufzeichnungsbestand online verfügbar zu machen und den Kunden so viel Auswahl wie möglich zu bieten. Es ist daher wirtschaftlich rentabel geworden, Musikaufnahmen anzubieten, an denen nur sehr wenige Menschen interessiert sind. Das wachsende Bewusstsein der Verbraucher für ihre größere Auswahl führt zu einer engeren Verbindung zwischen Hörgeschmack und sozialer Identität und zur Schaffung von Tausenden von Nischenmärkten.

Ein weiterer Effekt des Internets trat bei Online-Communities und Social-Media- Websites wie YouTube und Facebook auf, einem Social-Networking-Dienst. Diese Seiten erleichtern es angehenden Sängern und Amateurbands, Videos ihrer Songs zu verbreiten, sich mit anderen Musikern zu verbinden und das Interesse des Publikums zu wecken. Professionelle Musiker nutzen YouTube auch als kostenlosen Herausgeber von Werbematerial. YouTube-Nutzer beispielsweise laden nicht mehr nur MP3s herunter und hören sie sich an, sondern erstellen auch aktiv eigene. Laut Don Tapscott und Anthony D. Williams hat es in ihrem Buch Wikinomics eine Verschiebung von einer traditionellen Verbraucherrolle zu einer sogenannten „ Prosumer “-Rolle gegeben, einem Verbraucher, der sowohl Inhalte erstellt als auch konsumiert. Manifestationen davon in der Musik beinhalten die Produktion von Mashes, Remixes und Musikvideos durch Fans.

Unternehmen

Musikgeschäft, das verschiedene Singles und Alben verkauft

Die Musikindustrie bezieht sich auf die Unternehmen, die mit der Schaffung und dem Verkauf von Musik verbunden sind. Es besteht aus Songwritern und Komponisten, die neue Songs und Musikstücke erstellen, Musikproduzenten und Toningenieuren, die Songs und Stücke aufnehmen, Plattenlabels und Verlagen, die aufgenommene Musikprodukte und Noten international vertreiben und häufig die Rechte an diesen Produkten kontrollieren. Einige Musiklabels sind " unabhängig ", während andere Tochterunternehmen größerer Unternehmen oder internationaler Mediengruppen sind. In den 2000er Jahren hatte die zunehmende Beliebtheit, Musik als digitale Musikdateien auf MP3-Playern, iPods oder Computern zu hören und Musik auf Filesharing- Websites zu handeln oder online in Form von digitalen Dateien zu kaufen, einen großen Einfluss auf die traditionelle Musik Unternehmen. Viele kleinere unabhängige CD-Läden legten ihr Geschäft auf, da Musikkäufer ihre CD-Käufe verringerten, und viele Labels hatten niedrigere CD-Verkäufe. Einige Unternehmen schnitten mit der Umstellung auf ein digitales Format jedoch gut ab, wie etwa Apples iTunes, ein Online-Musikladen, der digitale Musikdateien über das Internet verkauft.

Gesetze zum Schutz des geistigen Eigentums

Hauptartikel: Tantiemenzahlung § Musikgebühren

Trotz einiger internationaler Urheberrechtsverträge wird die Bestimmung, welche Musik gemeinfrei ist, durch die Vielfalt der anwendbaren nationalen Urheberrechtsgesetze erschwert. Das US-amerikanische Urheberrecht schützte früher gedruckte Musik, die nach 1923 für 28 Jahre und mit einer Verlängerung um weitere 28 Jahre veröffentlicht wurde. Das Copyright Act von 1976 machte die Erneuerung jedoch automatisch, und das Digital Millennium Copyright Act änderte die Berechnung des Copyright-Begriffs auf 70 Jahre nach dem Tod des Schöpfers. Aufgenommener Ton fällt unter mechanische Lizenzen, die oft durch ein verwirrendes Flickwerk staatlicher Gesetze abgedeckt sind; Die meisten Coverversionen sind über die Harry Fox Agency lizenziert. Aufführungsrechte können entweder von ausübenden Künstlern oder vom Aufführungsort erworben werden; Die beiden wichtigsten Organisationen für die Lizenzierung sind BMI und ASCAP. Zwei Online-Quellen für gemeinfreie Musik sind IMSLP (International Music Score Library Project) und Choral Public Domain Library (CPDL).

Bildung

Nicht-Profi

Hauptartikel: Musikpädagogik Ein Suzuki- Geigenkonzert mit Schülern unterschiedlichen Alters

Die Einbeziehung von Musik- oder Gesangsausbildung in die allgemeine Bildung von der Vorschule bis zur postsekundären Bildung ist in Nordamerika und Europa üblich. Beteiligung an spielen und singen Musik wird gedacht, grundlegende Fähigkeiten zu lehren, wie Konzentration, Zählen, Zuhören und Zusammenarbeit während auch die Förderung des Verständnisses Sprache, die Fähigkeit zur Verbesserung der Rückrufinformationen und in anderen Bereichen eine bessere Rahmenbedingungen für das Lernen zu schaffen. In Grundschulen lernen Kinder oft, Instrumente wie Blockflöte zu spielen, in kleinen Chören zu singen und etwas über die Geschichte der westlichen Kunstmusik und der traditionellen Musik zu lernen. Einige Grundschulkinder lernen auch populäre Musikstile kennen. In religiösen Schulen singen Kinder Kirchenlieder und andere religiöse Musik. In weiterführenden Schulen (und seltener in Grundschulen) haben die Schüler möglicherweise die Möglichkeit, in bestimmten Arten von Musikensembles aufzutreten, z. B. in Chören (einer Gruppe von Sängern), Blaskapellen, Blasorchester, Jazzbands oder Orchestern. In einigen Schulsystemen kann Musikunterricht zum Spielen von Instrumenten angeboten werden. Einige Schüler nehmen auch nach der Schule privaten Musikunterricht bei einem Gesangslehrer oder Instrumentenlehrer. Amateurmusiker lernen in der Regel grundlegende musikalische Grundlagen (z. B. das Erlernen der Notenschrift für Tonleitern und Rhythmen) sowie Gesangs- oder Instrumentenspieltechniken für Anfänger bis Fortgeschrittene.

An der Universität Ebene Studenten in den meisten Kunst und Geisteswissenschaften Programme können erhalten Kredit für sie ein paar Musikkurse, die in der Regel die Form eines Überblickskurs nehmen die Geschichte der Musik oder ein Musikverständnis natürlich, dass konzentriert sich auf das Hören von Musik und Lernen über verschiedene Musikstile. Darüber hinaus haben die meisten nordamerikanischen und europäischen Universitäten einige Arten von Musikensembles, an denen Studenten der Künste und Geisteswissenschaften teilnehmen können, wie Chöre, Blaskapellen, Blasorchester oder Orchester. Das Studium westlicher Kunstmusik wird außerhalb Nordamerikas und Europas zunehmend verbreitet, wie das Indonesische Institut der Künste in Yogyakarta, Indonesien, oder die klassischen Musikprogramme, die in asiatischen Ländern wie Südkorea, Japan und China angeboten werden. Gleichzeitig erweitern westliche Universitäten und Hochschulen ihren Lehrplan um Musik nichtwestlicher Kulturen wie die Musik Afrikas oder Balis (z. B. Gamelan- Musik).

Fachmann

Der Professor an der Manhattan School of Music und professionelle Kontrabassist Timothy Cobb unterrichtete Ende der 2000er Jahre eine Bassstunde. Sein Bass hat eine tiefe C-Erweiterung mit einer Metall- "Maschine" mit Tasten zum Spielen der Tonhöhen auf der Erweiterung.

Menschen, die professionelle Musiker, Sänger, Komponisten, Songwriter, Musiklehrer und Praktiker anderer musikbezogener Berufe wie Musikgeschichtsprofessoren, Toningenieure usw. werden möchten, studieren in speziellen postsekundären Programmen, die von Colleges, Universitäten und Musikkonservatorien angeboten werden. Einige Institutionen, die Einzelpersonen für Musikkarrieren ausbilden, bieten eine breite Palette von Berufen an, wie es bei vielen der führenden US-Universitäten der Fall ist, die Abschlüsse in Musikdarbietung (einschließlich Gesang und Instrumentenspielen), Musikgeschichte, Musiktheorie, Musikkomposition, Musikunterricht (für Personen, die Musiklehrer an Grundschulen oder Gymnasien werden möchten) und in einigen Fällen Dirigieren. Auf der anderen Seite bieten einige kleine Hochschulen möglicherweise nur eine Ausbildung in einem einzigen Beruf an (z. B. Tonaufnahmen ).

Während sich die meisten Musikprogramme an Universitäten und Konservatorien auf die Ausbildung von Studenten in klassischer Musik konzentrieren, gibt es eine Reihe von Universitäten und Hochschulen, die Musiker für Karrieren als Jazz- oder Popmusikmusiker und Komponisten ausbilden, darunter bemerkenswerte US-Beispiele wie die Manhattan School of Music und die Berklee Hochschule für Musik. Zwei wichtige Schulen in Kanada, die professionelle Jazzausbildung anbieten, sind die McGill University und das Humber College. Personen, die eine Karriere in bestimmten Arten von Musik anstreben, wie z. B. Heavy Metal, Country-Musik oder Blues, werden mit geringerer Wahrscheinlichkeit zu Profis, wenn sie Abschlüsse oder Diplome an Colleges oder Universitäten abschließen. Stattdessen lernen sie in der Regel ihren Musikstil kennen, indem sie in vielen Bands singen oder spielen (oft beginnend in Amateurbands, Coverbands und Tribute-Bands ), Aufnahmen studieren, die auf CD, DVD und im Internet erhältlich sind, und mit bereits etablierten Fachleuten zusammenarbeiten Musikstil, entweder durch informelles Mentoring oder regelmäßigen Musikunterricht. Seit den 2000er Jahren haben die zunehmende Popularität und Verfügbarkeit von Internetforen und YouTube-Anleitungen vielen Sängern und Musikern aus Metal, Blues und ähnlichen Genres ermöglicht, ihre Fähigkeiten zu verbessern. Viele Pop-, Rock- und Country-Sänger trainieren informell mit Gesangslehrern und Gesangslehrern.

Undergraduate

Bachelor - Hochschulabschluss in Musik, einschließlich der Bachelor of Music, die Bachelor of Music Education und der Bachelor of Arts (mit Schwerpunkt Musik) in der Regel etwa vier Jahre dauern. Diese Abschlüsse vermitteln den Studierenden musiktheoretische und musikgeschichtliche Grundlagen, und viele Studierende lernen im Rahmen ihres Studiums auch ein Instrument oder erlernen Gesangstechnik. Absolventen von Musikstudiengängen können eine Anstellung suchen oder weiter in Musikstudiengängen studieren. Bachelor-Absolventen sind auch berechtigt, sich für einige Graduiertenprogramme und Berufsschulen außerhalb der Musik zu bewerben (z. B. öffentliche Verwaltung, Betriebswirtschaft, Bibliothekswissenschaft und in einigen Rechtsordnungen Lehrerhochschule, juristische Fakultät oder medizinische Fakultät ).

Absolvent

Zu den Musikabschlüssen gehören der Master of Music, der Master of Arts (in Musikwissenschaft, Musiktheorie oder einem anderen Musikbereich), der Doktor der Philosophie (Ph.D.) (z. B. in Musikwissenschaft oder Musiktheorie) und in jüngerer Zeit der Doktor der Musikalischen Künste oder DMA. Der Master of Music, der ein bis zwei Jahre dauert, wird in der Regel an Studenten vergeben, die die Leistung eines Instruments, eine Ausbildung, eine Stimme (Gesang) oder eine Komposition studieren. Der Master of Arts, der ein bis zwei Jahre dauert und häufig eine Abschlussarbeit erfordert, wird in der Regel an Studierende vergeben, die Musikwissenschaft, Musikgeschichte, Musiktheorie oder Ethnomusikologie studieren.

Die Promotion, die für Studierende erforderlich ist, die als Universitätsprofessoren in Musikwissenschaft, Musikgeschichte oder Musiktheorie tätig werden wollen, dauert drei bis fünf Jahre nach dem Master-Studium, in denen die Studierenden weiterführende Lehrveranstaltungen absolvieren und für eine Dissertation. Der DMA ist ein relativ neuer Abschluss, der geschaffen wurde, um professionellen Interpreten oder Komponisten, die als Universitätsprofessoren für musikalische Darbietungen oder Kompositionen arbeiten möchten, einen Ausweis zu verleihen. Die DMA dauert drei bis fünf Jahre nach dem Master-Abschluss und umfasst Kurse, Projekte und Performances für Fortgeschrittene. Im Mittelalter gehörte das Musikstudium zum Quadrivium der sieben freien Künste und galt als unverzichtbar für die höhere Bildung. Innerhalb des quantitativen Quadriviums war Musik, oder genauer Harmonik, das Studium rationaler Proportionen.

Musikwissenschaft

Musikwissenschaft, das akademische Studium des Faches Musik, wird an Universitäten und Musikkonservatorien studiert. Die frühesten Definitionen aus dem 19. Jahrhundert definierten drei Unterdisziplinen der Musikwissenschaft: systematische Musikwissenschaft, historische Musikwissenschaft und vergleichende Musikwissenschaft oder Ethnomusikologie. Im Stipendium der Ära 2010 ist es wahrscheinlicher, dass die Disziplin in Musiktheorie, Musikgeschichte und Ethnomusikologie unterteilt wird. Die musikwissenschaftliche Forschung wurde häufig durch interdisziplinäre Arbeit bereichert, beispielsweise im Bereich der Psychoakustik. Das Studium der Musik nichtwestlicher Kulturen und das kulturelle Studium der Musik wird als Ethnomusikologie bezeichnet. Die Studierenden können das Grundstudium der Musikwissenschaft, Ethnomusikologie, Musikgeschichte und Musiktheorie über verschiedene Arten von Abschlüssen absolvieren, darunter Bachelor-, Master- und PhD-Abschlüsse.

Musiktheorie

Musiktheorie ist das Studium der Musik, in der Regel in hochtechnischer Weise außerhalb anderer Disziplinen. Im weiteren Sinne bezieht es sich auf jedes Musikstudium, das normalerweise in irgendeiner Form mit kompositorischen Anliegen verbunden ist, und kann Mathematik, Physik und Anthropologie umfassen. Was am häufigsten in Musiktheorie-Anfängerkursen gelehrt wird, sind Richtlinien zum Schreiben im Stil der gemeinsamen Übungsperiode oder tonaler Musik. Die Theorie, auch der Musik der üblichen Praxis, kann viele andere Formen annehmen. Musikalische Mengenlehre ist die Anwendung der mathematischen Mengenlehre auf Musik, die zuerst auf atonale Musik angewendet wird. Die spekulative Musiktheorie widmet sich im Gegensatz zur analytischen Musiktheorie der Analyse und Synthese von Musikmaterialien, beispielsweise Stimmsystemen, im Allgemeinen als Vorbereitung für die Komposition.

Zoomusikologie

Zoomusikologie ist das Studium der Musik nicht-menschlicher Tiere oder der musikalischen Aspekte von Klängen, die von nicht-menschlichen Tieren erzeugt werden. George Herzog (1941) fragte: "Haben Tiere Musik?" François-Bernard Mâche 's Musique, mythe, Natur, ou les Dauphins d'Arion (1983), eine Studie über "ornitho-Musikwissenschaft" mit einer Technik von Nicolas Ruwet ' s Langage, musique, poésie (1972) paradigmaSegmentierungsAnalyse, zeigt, dass Vogellieder nach einem Prinzip der Wiederholungstransformation organisiert sind. Jean-Jacques Nattiez (1990) argumentiert, dass "letztendlich ein Mensch entscheidet, was musikalisch ist und was nicht, auch wenn der Klang nicht menschlichen Ursprungs ist. Wenn wir anerkennen, dass der Klang nicht organisiert und konzeptualisiert ist (das heißt, um Musik zu formen) Nur von ihrem Produzenten, aber von dem Verstand, der sie wahrnimmt, dann ist Musik einzigartig menschlich. "

Ethnomusikologie

Hauptartikel: Ethnomusikologie Ethnomusikologin Frances Densmore, die den Blackfoot- Chef Mountain Chief für das Bureau of American Ethnology (1916) aufzeichnete

Im Westen befasst sich ein Großteil der Musikgeschichte, die gelehrt wird, mit der Kunstmusik der westlichen Zivilisation, die als klassische Musik bekannt ist. Auch die Musikgeschichte in nicht-westlichen Kulturen („ Weltmusik “ oder der Bereich „Ethnomusikologie“), die typischerweise Musik aus Afrika und Asien umfasst, wird an westlichen Universitäten gelehrt. Dies schließt die dokumentierten klassischen Traditionen asiatischer Länder außerhalb des Einflusses Westeuropas sowie die Volks- oder indigene Musik verschiedener anderer Kulturen ein. Populäre oder volkstümliche Musikstile in nicht-westlichen Ländern variierten stark von Kultur zu Kultur und von Zeit zu Zeit. Unterschiedliche Kulturen betonten unterschiedliche Instrumente, Techniken, Gesangsstile und Verwendungszwecke für Musik. Musik wurde für Unterhaltung, Zeremonien, Rituale, religiöse Zwecke und für die praktische und künstlerische Kommunikation verwendet. Auch nicht-westliche Musik wurde zu Propagandazwecken verwendet, wie es bei der chinesischen Oper während der Kulturrevolution der Fall war.

Es gibt eine Vielzahl von Musikklassifikationen für nicht-westliche Musik, von denen viele in den Streit um die Definition von Musik verwickelt sind. Zu den größten davon gehört die Trennung zwischen klassischer Musik (oder "Kunst" -Musik) und populärer Musik (oder kommerzieller Musik - einschließlich nicht-westlicher Stile von Rock, Country und Popmusik). Einige Genres passen nicht genau in eine dieser "großen zwei" Klassifikationen (wie Volksmusik, Weltmusik oder Jazz- bezogene Musik).

Da die Weltkulturen weltweit stärker in Kontakt gekommen sind, haben sich ihre indigenen Musikstile oft mit anderen Stilen verschmolzen, was zu neuen Stilen führt. Zum Beispiel der Vereinigten Staaten Rispengras Stil enthält Elemente von Anglo - Irish, Scottish, Iren, Deutsche und afrikanische Instrumental- und Gesangstraditionen, die Sicherung in dem multiethnischen ‚ in der Lage waren United States Schmelztiegel ‘ die Gesellschaft. Einige Arten von Weltmusik enthalten eine Mischung aus nicht-westlichen indigenen Stilen und Elementen der westlichen Popmusik. Musikgenres werden sowohl von Tradition und Präsentation als auch von der eigentlichen Musik bestimmt. Einige Werke, wie George Gershwin 's Rhapsody in Blue, werden sowohl von Jazz und klassischer Musik beansprucht, während Gershwins Porgy and Bess und Leonard Bernstein ' s West Side Story werden sowohl von Oper und der beanspruchten Broadway musikalischen Tradition. Viele aktuelle Musikfestivals für nicht-westliche Musik umfassen Bands und Sänger aus einem bestimmten Musikgenre, wie zum Beispiel Weltmusik.

Indische Musik zum Beispiel ist eine der ältesten und am längsten lebenden Arten von Musik und wird sowohl in Südasien als auch international (insbesondere seit den 1960er Jahren) immer noch häufig gehört und aufgeführt. Indische Musik hat hauptsächlich drei Formen klassischer Musik: Hindustani, Carnatic und Dhrupad. Es hat auch ein großes Repertoire an Stilen, die nur Perkussionsmusik wie die talavadya Aufführungen berühmt beinhalten Südindien.

Therapie

Ein Musiktherapeut aus einem "Blues in the Schools" -Programm spielt Mundharmonika mit einem Seemann der US Navy in einem Naval Therapy Center.

Musiktherapie ist ein zwischenmenschlicher Prozess, bei dem ein ausgebildeter Therapeut Musik und all ihre Facetten – physisch, emotional, mental, sozial, ästhetisch und spirituell – nutzt, um Klienten zu helfen, ihre Gesundheit zu verbessern oder zu erhalten. In einigen Fällen werden die Bedürfnisse des Kunden direkt durch Musik angesprochen. in anderen werden sie durch die Beziehungen angesprochen, die sich zwischen dem Klienten und dem Therapeuten entwickeln. Musiktherapie wird bei Personen jeden Alters und unter verschiedenen Bedingungen angewendet, darunter: psychiatrische Störungen, medizinische Probleme, körperliche Behinderungen, sensorische Beeinträchtigungen, Entwicklungsstörungen, Drogenmissbrauchsprobleme, Kommunikationsstörungen, zwischenmenschliche Probleme und Altern. Es wird auch verwendet, um das Lernen zu verbessern, das Selbstwertgefühl aufzubauen, Stress abzubauen, körperliche Bewegung zu unterstützen und eine Vielzahl anderer gesundheitsbezogener Aktivitäten zu erleichtern. Musiktherapeuten können Klienten ermutigen, zu singen, Instrumente zu spielen, Lieder zu erstellen oder andere musikalische Aktivitäten durchzuführen.

Eine der frühesten Erwähnungen der Musiktherapie war in Al-Farabis (ca. 872–950) Abhandlung Bedeutungen des Intellekts, in der die therapeutischen Wirkungen von Musik auf die Seele beschrieben wurden. Musik wird seit langem verwendet, um Menschen dabei zu helfen, mit ihren Emotionen umzugehen. Im 17. Jahrhundert, der Gelehrte Robert Burton ‚s die Anatomie der Melancholie argumentiert, dass Musik und Tanz war entscheidend bei der Behandlung von psychischen Erkrankungen, insbesondere Melancholie. Er stellte fest, dass Musik eine "ausgezeichnete Kraft hat, viele andere Krankheiten auszutreiben" und er nannte sie "ein souveränes Heilmittel gegen Verzweiflung und Melancholie". Er wies darauf hin, dass Canus, ein rhodischer Geiger, in der Antike Musik benutzte, um "einen melancholischen Mann fröhlich zu machen,... einen verliebten Liebhaber, einen religiösen Mann, der frommer ist". Im Osmanischen Reich wurden Geisteskrankheiten mit Musik behandelt. Im November 2006 stellten Dr. Michael J. Crawford und seine Kollegen außerdem fest, dass Musiktherapie schizophrenen Patienten hilft.

Albert Einstein hatte eine lebenslange Liebe zur Musik (insbesondere den Werken von Bach und Mozart ), als er einmal feststellte, dass ein Leben ohne Musizieren für ihn undenkbar wäre. In einigen Interviews schrieb Einstein sogar einen Großteil seiner wissenschaftlichen Intuition der Musik zu, wobei sein Sohn Hans erzählte, dass "wenn er das Gefühl hatte, am Ende des Weges angelangt zu sein oder in eine schwierige Situation seiner Arbeit geraten zu sein, flüchtete er sich in die Musik." und das würde normalerweise alle seine Schwierigkeiten lösen. " Etwas in der Musik, so Michele und Robert Root-Bernstein in Psychology Today, "würde seine Gedanken in neue und kreative Richtungen lenken". Es wurde gesagt, dass Einstein Mozarts Musik als eine universelle Harmonie betrachtete, von der Einstein glaubte, dass sie im Universum existiert, "als ob der große Wolfgang Amadeus seine wunderschön klare Musik überhaupt nicht" erschaffen "hätte, sondern sie einfach bereits entdeckt hätte. Diese Perspektive Parallelen sind bemerkenswerterweise Einsteins Ansichten über die ultimative Einfachheit der Natur und ihre Erklärung und Aussage über im Wesentlichen einfache mathematische Ausdrücke. " Eine Überprüfung legt nahe, dass Musik zur Verbesserung der subjektiven Schlafqualität bei Erwachsenen mit Schlaflosigkeitssymptomen wirksam sein kann. Musik wird auch in der klinischen Rehabilitation von kognitiven und motorischen Störungen eingesetzt.

Siehe auch

Hauptartikel: Gliederung der Musik und Index der Musikartikel

Verweise

Weiterführende Literatur

Externe Links

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